- Film espagnol sorti le 22 décembre 2010

 - Réalisé par Guillem Morales

 - Avec Belén Rueda, Lluis Homar, Julia Gutiérrez Caba,…

 - Epouvante - horreur, Thriller

            Quand Julia apprend la mort soudaine de sa soeur Sara, tout semble clairement indiquer qu'elle s'est suicidée. Mais Julia n'arrive pas à accepter cette version des faits et commence à passer au crible les évènements qui ont eu lieu les derniers mois avant le drame. La découverte d'éléments déconcertants, en désaccord avec la personnalité de Sara, et sa rupture de contacts avec son entourage, ne font que nourrir les soupçons de Julia quant aux circonstances réelles du décès. Décidée à résoudre l'énigme de cette ultime période, Julia devient l'objet d'une singulière menace qu'aucune autre personne autour d'elle, y compris son mari Isaac, ne semble percevoir, alors même que la maladie dégénérescente dont elle souffre prend le dessus, la plongeant petit à petit dans l'obscurité. La compréhension et l'amour d'Isaac avaient jusqu'alors eu raison des attaques de cécité de Julia, mais une série d'incidents inquiétants, et toujours plus violents, menacent son équilibre, l'enfermant inexorablement dans le monde des ténèbres, à la merci de la présence terrifiante qui s'y terre...

            On le sait depuis quelques années, le cinéma hispanique fantastique est entré dans une belle période, notamment depuis [Rec] de Paco Plaza. L'une des grandes références dans ce domaine a été L'Orphelinat réalisée par Juan Antonio Bayona et produite par Guillermo Del Toro. Excellent film ayant reçu un joli accueil public et critique et qui était d'une réelle efficacité en plus d'être très émouvant. A l'exception du réalisateur, remplacé par Guillem Morales, un novice ayant mis en scène un premier film intitulé El Habitante Incierto, l'équipe de L'Orphelinat se reforme trois ans après avec Les Yeux de Julia. 

            On ne change donc pas une équipe qui gagne et le résultat est, sans vraie surprise, une belle réussite. Les Yeux de Julia fait d'abord la part belle à l'actrice principale, Belén Rueda, déjà héroïne de L'Orphelinat. Elle est de presque chaque plan et l'histoire est vue à travers « ses yeux », ce qui amène donc son interprétation à être une des clés du succès de ce long-métrage. Là encore pas vraiment de surprise pour tous ceux qui ont vu sa prestation dans L'Orphelinat, elle se montre toujours bouleversante tout en ayant l'intelligence de ne pas tomber dans le pathos ou les excès. Elle bénéficie aussi d'une écriture particulièrement soignée de son personnage qui, au fil du long-métrage, se révèle complexe et mouvant, dans le sens où son personnage n'est jamais passif. Au contraire, tout comme dans le film de Bayona, Les Yeux de Julia montre l'évolution d'une femme obligée de faire face à de nombreuses et éprouvantes épreuves afin de se préparer à son inévitable cécité. Comment aborder le monde quand on ne le voit plus ? C'est à ce problème de taille que Julia est confrontée. Elle est d'abord anxieuse par l'inéluctabilité de cet évènement (la difficulté de ne plus voir ceux que l'on aime et la crainte que ceux-ci s'en aille, ne supportant pas le poids de ce handicap), puis doit se résoudre à l'affronter dans la seconde partie du film où, après une opération, elle doit rester quinze jours avec un bandeau sur les yeux.  

            Les Yeux de Julia, tout comme L'Orphelinat, est, derrière son air de thriller horrifique et fantastique efficace, avant tout un drame sur un couple qui subit soudainement un douloureux évènement (la disparition de leur enfant dans le film d'Antonio, la mort de la soeur et la perte de la vision dans celui de Morales) ainsi que sur la façon dont il essaye de s'en sortir. Guillem Morales n'en oublie cependant pas le côté thriller angoissant de l'histoire, bien au contraire même puisque son film est plus terrifiant que celui d'Antonio. La scène d'introduction est d'ailleurs très réussie puisqu'elle arrive à instaurer un climat mystérieux et inquiétant avec cette femme aveugle qui semble parler toute seule avec, comme fond sonore, la chanson « The Look of Love », choix absolument pas innocent au vu du sujet du film. Le film débute d'abord comme une enquête policière classique, l'héroïne refusant de croire à un suicide de sa soeur et trouvant sa mort suspecte.  

            Mais Les Yeux de Julia bascule rapidement dans le domaine de l'horreur et du fantastique après quelques scènes aux effets particulièrement efficaces, notamment celle du cimetière et celle dans un vestiaire de femmes aveugles ainsi que la poursuite qui s'en suit. Car en effet, très vite l'héroïne et le spectateur réalisent qu'ils ne sont pas seuls. Un homme les suit. Mais celui-ci a une particularité plutôt embêtante : personne ne le voit. Pas même l'héroïne ou le spectateur qui ne devine sa présence que par des silhouettes furtives sans visage. Le film se rapproche un temps au Hollow Man, l'homme sans ombre de Paul Verhoeven qui était une variante morbide et perverse de « L'Homme Invisible » de Wells (que ferait-on si on pouvait être invisible ?). Ici, Julia se trouve menacé par un « homme-fantôme » aux intentions peu louables qu'elle soupçonne d'être en grande partie responsable de la mort de sa soeur. Invention de l'esprit troublée de Julia par les récents traumatismes qu'elle a subi (et qu'elle s'apprête à vivre) ou menace bien réelle perceptible uniquement par ceux qui perdent la vision ? 

            C'est au bout d'une heure que le film prend un virage complet. D'abord par la disparition d'un des personnages secondaires importants et par le fait que l'héroïne, après une crise de cécité particulièrement grave, se fasse opérer, l'obligeant ainsi à porter un bandeau pendant deux semaines pour ne pas abimer ses nouveaux yeux. Livrée à elle-même et dans le noir, elle est désormais seule. Enfin pas exactement. En plus de prendre un tour plus réaliste et avec l'arrivée d'un nouveau personnage dont on ne voit jamais le visage (puisque l'héroïne ne le voit alors pas), cette seconde heure se révèle être la plus éprouvante. C'est à ce moment là qu'a évidemment lieu le « face-à-face » entre l'héroïne et cette « ombre au regard chargé de haine ». La bonne idée de Morales est alors d'utiliser les éléments fantastiques de son récit comme des métaphores littérales de la réalité. Comme si Julia, pendant qu'elle sombrait dans la cécité, commençait à percevoir le monde, les choses et les personnes d'une autre manière.  

            La dernière demi-heure est tout simplement terrifiante au fur et à mesure que Julia se retrouve sous l'emprise menaçante de cette ombre. Les Yeux de Julia flirte en fin de compte assez régulièrement avec le « giallo » auquel il redonne ses lettres de noblesse après la mort artistique de son porte étendard Dario Argento. Le film de Morales compte donc quelques courts plans gores assez marquants dont on retiendra particulièrement cette image d'une aiguille s'enfonçant dans un oeil (rappelant l'oeil tranché dans Le Chien Andalou) et qui constitue sans aucun doute, avec celui du labourage de gencive avec la fraise d'un dentiste dans Outrages de Kitano, l'une des plus ignobles de l'année. Guillem Morales se révèle comme un metteur en scène doué et inspiré, insufflant un fort dynamisme à son histoire et expérimentant de nombreux effets afin de faire vivre l'histoire de la façon la plus proche de celle de l'héroïne (personnages dont les visages ne sont pas cadrés, des effets de flou, jeux de lumière avec des silhouettes...). Les séquences finales sont brillantes de maîtrise et d'audace dont une séquence de poursuite dans le noir où la seule lumière sont les flashs d'un appareil photo et ce que l'on aperçoit sont donc des images subliminals apparaissant soudainement du néant alors que l'on entend que des bruits et que l'on ne peut qu'imaginer ce qui se passe ; Morales exploite d'ailleurs beaucoup et à bon escient cette maxime : « pour faire peur, mieux vaut en montrer le moins possible ». 

            Les Yeux de Julia est donc une nouvelle réussite pour le cinéma fantastique espagnol, mêlant drame intimiste, histoire d'amour, enquête policière mystérieuse et « slasher » horrifique, et qui ridiculise nos vaines tentatives hexagonales dans ce domaine. En plus de confirmer la bonne santé du milieu cinématographique ibérique, ce film affirme la naissance d'un metteur en scène au potentiel prometteur ainsi que le talent de Belén Rueda, une actrice charismatique. 

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 - Film américain sorti le 01 décembre 2010

 - Réalisé par Edgar Wright

  - Avec Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Jason Schwartzman,…

 - Aventure, Comédie, Fantastique

            Scott Pilgrim n'a jamais eu de problème à trouver une petite amie, mais s'en débarrasser s'avère plus compliqué. Entre celle qui lui a brisé le coeur - et qui est de retour en ville - et l'adolescente qui lui sert de distraction au moment où Ramona entre dans sa vie - en rollers - l'amour n'a jamais été chose facile. Il va cependant vite réaliser que le nouvel objet de son affection traîne les plus singulières casseroles jamais rencontrées : une infâme ligue d'ex qui contrôlent sa vie amoureuse et sont prêts à tout pour éliminer son nouveau prétendant. A mesure que Scott se rapproche de Ramona, il est confronté à une palette grandissante d'individus patibulaires qui peuplent le passé de sa dulcinée : du mesquin skateur à la rock star végétarienne en passant par une affreuse paire de jumeaux. Et s'il espère séduire l'amour de sa vie, il doit triompher de chacun d'eux avant que la partie soit bel et bien « over »...

            Le dernier film d'Edgar Wright a été l'une des grandes victimes dans le domaine du cinéma cette année. Le film avait pourtant de nombreux atouts dans sa manche : le talent de Wright, un casting des plus intéressants avec l'excellent Michael Cera en premier rôle, une mise en scène dynamique qui mélange les codes de la BD et du cinéma tout en livrant une comédie romantique teinté de kung-fu et de duel « vidéoludique ». Toute une génération de spectateurs était presque prédestinée à être touché, ému par l'histoire et ses nombreuses références. Qu'est-ce qui s'est donc passé ? Un marketing chancelant qui ne sait pas comment vendre le produit, un K.O. au box office américain face aux papys bourrins d'Expendables, un studio qui, désespéré du flop sur le territoire, s'est contrefiché de la distribution du film à l'étranger, ne le faisant sortir en France que six mois plus tard (déjà bien téléchargé et aidé par la vente du DVD déjà en rayon aux USA) dans une soixantaine de salles sur tous l'hexagone, dont une dizaine en VO, avant d'en perdre les trois quarts la semaine suivante. 

            Avec une telle succession de malchances, Scott Pilgrim peut donc être considéré comme l'un des plus gros et dommageables échecs de 2010. Car nul doute que ce film deviendra culte et sera très nettement reconsidéré dans les années à venir. Pour plusieurs raisons. D'abord parce que, sous ses airs d'exercices de style parodiques un peu vains, les trois films d'Edgar Wright forme déjà une oeuvre cohérente de la part d'un des cinéastes les plus prometteurs et doués. Dans Shaun of the Dead, ledit Shaun, par l'affrontement d'une invasion soudaine de zombies voraces tout droit sorti d'un Romero des années 70, devait s'affirmer et prendre ses responsabilités d'adulte s'il voulait reconquérir l'amour de sa vie. Dans Hot Fuzz, le policier Nicholas Angel apprenait par son enquête très mouvementée et délirante à ne pas être si obsédé par son travail et ainsi établir des relations plus harmonieuses avec ses partenaires. Scott Pilgrim ne départit pas à la règle : le héros éponyme, par l'affrontement dans le premier sens du terme du passé de celle qu'il aime et indirectement du sien, doit lui aussi prendre ses responsabilités et devenir un adulte (au lieu de fricoter avec de jeunes lycéennes dans l'espoir un peu vain et illusoire de demeurer encore adolescent malgré son âge). Les films d'Edgar Wright, plus que des parodies ou des hommages, sont avant tout des récits d'apprentissages. 

            C'est peut-être là la différence entre Edgar Wright et les Rodriguez-Snyder : ne pas se limiter au côté « fun » d'un pitch et de faire un film soi-disant « cool ». Wright, contrairement aux deux précédents, a aussi un talent d'écriture qui amène ses personnages à ne pas être de simples fonctions et à évoluer de façon cohérente durant l'intrigue. Ceci dit, Edgar Wright réalise avec Scott Pilgrim son film le plus abouti, le plus audacieux, le plus maitrisé et construit. C'était pourtant pas gagné avec ce parti-pris très risqué qu'était l'hybridation des codes de plusieurs médias (films, BD, manga, jeux vidéo) qui, s'il n'avait pas été aussi bien dosé, aurait facilement rendu le film boursoufflé et surchargé. Hors ici, tous les effets de style arrivent avec une réelle simplicité, comme une évidence. Si ces effets s'inscrivent aussi parfaitement dans le film c'est qu'ils font parti intégrante du monde que Scott Pilgrim met en scène. Et là on est obligé de rapprocher Scott Pilgrim à un autre cas très similaire sorti il y a un peu plus de deux ans : le monument expérimental et jusqu'au-boutiste Speed Racer d'Andy et Lana (alors Larry) Wachowski. Même incapacité à vendre le film, ainsi qu'un budget démesuré, suivi d'un flop catastrophique par la combinaison mortelle mauvaise distribution / critiques assassines de la presse complètement dépassée par l'ampleur et l'importance du long-métrage. 

            S'il faut bien préciser que Scott Pilgrim va nettement moins loin que son prédécesseur, leurs démarches sont toutefois identiques. D'abord une même volonté de détruire la frontière des genres et des médias et donc une impossibilité de catégoriser l'oeuvre finale dans une case précise (d'où peut-être leur accueil critique pas vraiment dithyrambique, surtout dans le cas de Speed Racer). Ensuite, derrière tous leurs effets faussement gratuits, se cache une volonté de mettre en image une idée, un concept afin de faire avancer l'intrigue ou les personnages, en plus d'avoir une fonction comique assez efficace. On peut évidemment pinailler sur le fait que les scénarios de ces deux films ne soient évidemment pas leur point fort, car souffrant parfois de quelques raccourcis, de quelques longueurs ou à l'inverse, dans le cas de Scott Pilgrim, d'un trop plein d'action dans un laps de temps assez réduit. Mais ces deux films sont avant tout des films de mise en scène, qui se préoccupe plus du visuel que de l'histoire à raconter. Cette dernière n'est cependant pas laissée pour compte car, même si elle suit une structure assez classique, elle relate le parcours initiatique d'un jeune homme qui doit devenir adulte ; l'un en remportant plusieurs courses pour devenir le meilleur pilote et ainsi accomplir son rêve d'enfant, l'autre en combattant les exs de la fille qu'il aime pour pouvoir vivre avec elle et quitter le monde de l'adolescence. 

            Scott Pilgrim est aussi doté d'un casting des plus réussi. On y retrouve notamment en second rôle Chris Evans, l'ancienne « Torche » des Quatre Fantastiques et le futur Captain America de Joe Johnson ; Brandon Routh, le Superman de la version réalisée en 2006 par Bryan Singer ; ou encore Anna Kendrick, révélée dans Twilight et In the Air, dans le rôle de la soeur commère de Scott. Toujours parmi les seconds rôles, deux d'entre eux sont particulièrement marquants. La première est l'interprète de Ramona, Mary Elizabeth Winstead, déjà vu dans le volet Grindhouse de Tarantino intitulé Le Boulevard de la Mort, qui se révèle fascinante en femme mystérieuse excentrique et lunatique un brin surréaliste (elle utilise des chemins plus rapides pour livrer ses colis en traversant l'esprit des gens l'amenant donc à apparaitre dans leurs rêves). L'autre est Jason Schwartzman, qui avait entre autres joué dans A bord du Darjeeling Limited de Wes Anderson ou dans le biopic de Sofia Coppola sur Marie-Antoinette. Dans Scott Pilgrim il livre une prestation tout simplement jouissive en « boss » ultime exécrable de vanité et d'affabilité.   

            Mais le troisième film d'Edgar Wright est aussi un écrin à la gloire de Michael Cera, révélé par la géniale comédie Superbad de Greg Mottola (le titre français n'est juste pas possible) où il interprétait un jeune adolescent naïf et réservé. Après Be Bad ! sorti cette année, Michael Cera continue de nuancer cette image qui le poursuit. Dans Scott Pilgrim il est toujours aussi attachant, charmant mais on retrouve dans son personnage un peu de fourberie et de lâcheté ; comme son rapport avec Knives, son ex lycéenne et chinoise souffrant de l'inconstance de Scott qui l'abandonne dès qu'il rencontre Ramona. Scott n'est pas un mauvais garçon mais il fait souffrir les autres sans s'en rendre compte. Dans son parcours, Scott doit donc apprendre l'amour des autres et par ce biais l'amour de lui-même pour qu'aucun ne souffre de ces actes. Car si Scott doit affronter les sept exs maléfiques de Ramona pour avoir une relation avec elle, comme s'ils étaient une anomalie, il doit aussi faire face à ses propres démons. Il y a au premier plan Knives qui cherche à le récupérer à tout prix ; mais il y a aussi Envy Adams, la fille sublime qui l'a largué et qui réussit mieux que lui, auquel il se retrouve confronté dans une très belle scène de concert. 

            Scott Pilgrim étant une succession d'affrontements destinés à faire avancer les personnages, et surtout le héros, comme s'ils progressaient au niveau supérieur après chaque victoire, l'affiliation du long-métrage avec le jeu vidéo est loin d'être saugrenu. Dans l'hallucinante scène d'introduction, Speed Racer se servait de la « ghost car », utilisée dans les jeux de voiture pour faire la course contre son propre record enregistré, dans un but purement narratif, amenant Speed à courser la voiture de son frère défunt. Edgar Wright réemploie aussi différents codes vidéoludiques pour les transformer en idée de mise en scène. Parmi eux on peut citer la « vie » qui apparait après la fin de l'un des duels et qui symbolisera plus tard sa « deuxième chance » ; l'arrivée d'un double maléfique, « Néga-Scott », calqué sur le « Néga-Ninja » qu'il affrontait avec Knives dans un jeu d'arcades et contre lequel il échouait lamentablement ; l'apparition d'un score censé augmenter l'expérience de Scott après chaque combat et qui fonctionne comme un décompte avant la lutte finale ; ou encore la présence d'une micro-puce dans la nuque de Ramona pour symboliser son addiction, sa dépendance envers le grand producteur de disque Gideon Graves. De même, Scott Pilgrim étant à l'origine une BD, Wright mêle dans son long métrage des règles typiques de ce média comme de nombreuses onomatopées ou le format mouvant des plans (comme si c'étaient des cases de bande dessinées) afin de resserrer subitement l'attention du spectateur sur un personnage ou une action. Edgar Wright se montre plus subtil et évite judicieusement la mode actuelle du décalquage des dessins comme si les cases formaient un « story-board », employée par Snyder ou Rodriguez. 

            Scott Pilgrim est donc un film expérimental qui s'inscrit parfaitement dans la démarche qu'abordait Wright depuis ses deux premiers long-métrages : réutiliser les codes d'un genre pour les dépasser et les employer au service de la narration. Là encore le résultat, mélangeant pourtant différents genres pas toujours directement relié au 7^ème art, est d'une fluidité, d'une lisibilité bluffante. Les frontières sont constamment brouillées, le temps et l'espace n'existent plus vraiment, ce que montrait déjà Speed Racer, avec l'utilisation remarquable d'ellipses (transitions brillantes entre les flashbacks ou les rêves) ou en accentuant les perspectives afin d'intensifier un rythme ou un mouvement. Plus abordable que le maître-étalon des Wachowski, doté d'un humour dévastateur, le colocataire gay Wallace y étant pour beaucoup, et possédant une nouvelle idée  toutes les secondes, Scott Pilgrim sera sans aucun doute réévalué d'ici peu de temps. Son échec en salles n'est heureusement que parti remise. Il n'y a surtout qu'à espérer que celui-ci ne pose pas de bâton dans les roues pour les développements des prochains projets de Wright : une adaptation à l'écran du super-héros Ant-Man et la fin de son triptyque parodique avec le duo Simon Pegg / Nick Frost intitulé World's End et qui rendra hommage aux films catastrophes de l'ère Bay et Emmerich.

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 - Film britannique sorti le 24 novembre 2010

 - Réalisé par David Yates

 - Avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson,…

 - Fantastique, Aventure

            Le pouvoir de Voldemort s'étend. Celui-ci contrôle maintenant le Ministère de la Magie et Poudlard. Harry, Ron et Hermione décident de terminer le travail commencé par Dumbledore, et de retrouver les derniers Horcruxes pour vaincre le Seigneur des Ténèbres. Mais il reste bien peu d'espoir aux trois sorciers qui doivent réussir à tout prix...

            Succès démentiel en librairie, la saga « Harry Potter » n'avait pas tardé à intéresser les producteurs et les studios au début de l'année 2000. Chris Columbus avait eu la lourde tâche de démarrer les hostilités en adaptant les deux premiers tomes et, si le premier épisode a très mal vieilli, il avait réussi à poser des bases solides pour la série sur le grand écran avec en prime une belle fidélité aux romans d'origine. Mais c'est avec le troisième épisode, réalisé par le terriblement talentueux Alfonso Cuaron, que la série avait pris un virage plus mature, ambitieux, gothique et moderne ; clairement l'unique épisode d’Harry Potter qui peut légitimement être considéré comme un chef d'oeuvre. Mike Newell avait pris la suite en réalisant le quatrième épisode qui, s'il ne bâclait pas les scènes clés du livre, commençait à montrer les premiers signes de fatigue avec des problèmes d'adaptation et de raccourcis assez embarrassants pour la compréhension du récit (surtout pour les néophytes). Et malgré les grands noms qui avaient tourné autour du poste de réalisateur d'un des films, comme Jean-Pierre Jeunet, Terry Gilliam, Steven Spielberg ou Guillermo del Toro, c'est David Yates qui a hérité des trois dernières adaptations. 

            Volonté d'une continuité esthétique tardive ou simple « yes-man » aux ordres des producteurs qui se sont empressés de le reconduire jusqu'à la fin à ce poste ? Quoiqu'il en soit, Yates avait réalisé ce qui sont rien de moins que les deux plus mauvais épisodes, le sixième intitulé Harry Potter et le Prince de Sang-mêlé étant un gigantesque massacre à côté de la plaque du meilleur des livres de J. K. Rowling. Qu'attendre alors de l'ultime opus divisé en deux parties afin de permettre une meilleure adaptation fidèle (raison officielle) mais aussi de rapporter deux fois plus d'argent car la Warner tarde à mettre un terme à sa poule aux oeufs d'or (raison officieuse) ? Et qui a en plus surfé un temps sur la mode de la 3D convertie en postproduction, la Warner ayant refusé le changement qu'annonçait l'Avatar de Cameron jusqu'à la sortie de ce dernier, avant d'abandonner le procédé pour la première partie du moins tant les résultats étaient peu probants ? Rien du tout. On pouvait à peine espérer que Yates sauve les meubles de ce désastre annoncé. Et c'est là que le miracle s'accomplit.

            Première image : sur fond de nuages sombres et orageux, le logo Warner apparait et se décompose en rouillant. La séquence qui suit est un montage habile montrant les trois héros se préparant à l'aventure ténébreuse qui s'annonce à eux. Pendant qu'Harry observe ce qui lui reste de famille s'enfuir de chez elle, Hermione s'efface de la mémoire de ses parents moldus (non sorciers) afin qu'il ne soit pas mis en danger par les mauvais sorciers « purs ». En cinq petites minutes, tout devient très clair : fini de rire, nos jeunes héros ont grandi et doivent se préparer à quitter le giron protecteur des adultes pour se débrouiller par eux-mêmes. Harry Potter et les Reliques de la Mort est un film sur la fin de l'innocence. Les seconds rôles, toujours aussi nombreux, sont cependant sciemment mis en arrière-plan pour se focaliser sur les peurs du trio principal. Et en toute logique, cet épisode souffre d'un effet  « girouette » : alors que les derniers films étaient, avec raison, sévèrement critiqués pour leurs trop nombreux raccourcis et leur trop plein d'actions, ce dernier film de Yates est maintenant décrié pour son côté lent, contemplatif et réflexif.

            Et le livre l'était justement, tout du moins la première partie qui est ici adaptée. Cette première moitié est une éternelle fuite en avant qui doit nous préparer à la violente et furieuse explosion finale. Et pourtant les vingt premières minutes sont loin d'être rassurantes puisqu'elles reproduisent les mêmes erreurs que les trois derniers films en termes de narration et d'exposition. Certes ces erreurs proviennent avant tout du travail assez catastrophique de l'adaptation des épisodes précédents, mais font d'abord craindre le pire. C'est par exemple le cas dans le traitement de la relation amoureuse entre Lupin et Tonks et notamment lorsque cette dernière, qui n'a bénéficié dans la série que de peu d'intérêt, a une annonce à faire sur laquelle on ne reviendra pas une seule fois et dont on ignorera le contenu. De même pour la mort d'un des personnages les plus iconiques qui se fait hors-champs et pour laquelle les personnages principaux ne semblent absolument pas affectés outre mesure ; on se souvient de la mise en scène catastrophique des assassinats de Sirius Black et de Dumbledore dans le 5 et le 6. Enfin, la scène du mariage d'un des frères de Ron Weasley, personnage introduit dans la saga quelques minutes plus tôt, est amenée de façon assez maladroite. Mais cependant c'est cette scène qui entraine le film à un virage salvateur. 

            C'est en effet après cette séquence que débute la fuite perpétuelle et la quête interminable et frustrante du trio principal. L'une des principales faiblesses des opus de Yates étant le manque d'épaisseur ou de charisme des nombreux personnages secondaires, leur absence soudaine pendant près de deux heures de long-métrage est bénéfique à Harry Potter 7 ½. Et quoi de mieux pour illustrer ce changement de ton et de style que l'absence presque totale de séquences se déroulant ou mentionnant Poudlard, l'école des sorciers où se déroulait presque intégralement tous les films de la série. Changement aussi dans la mise en scène qui devient moins ample et tape-à-l'oeil que dans les précédents Harry Potter, puisque Yates se met à déployer une réalisation plus sèche, nerveuse, caméra à l'épaule. De toute évidence, Yates est bien plus à l'aise avec une trame intimiste. Il livre quelques belles scènes entre ces jeunes adolescents inquiets et frustrés, à l'image de cette séquence désespérée de danse entre Harry et Hermione, où même Daniel Radcliffe arrive à trouver une vraie justesse, avant qu'ils ne se renferment de nouveau dans le silence et la déprime. 

            Yates a aussi visiblement fait des progrès dans la réalisation de scènes d'action. On a un souvenir (très) douloureux des séquences finales dans le Ministère de la Magie pour le 5 et de la grotte dans le 6 qui, si elles n'avaient pas été notamment sabotées par un montage absurde brisant leur rythme, leur suspense et leur intensité, auraient pu être de vrais moments d'anthologies du cinéma fantastique. Hors ici, si l'on excepte une atroce course-poursuite dans la forêt filmée caméra à l'épaule à la « Greengrass style » (c'est-à-dire complètement illisible), Yates réussit l'exploit de créer des morceaux de bravoure assez intenses et inspirés. La séquence aérienne en début de long métrage est plutôt prenante, mais c'est surtout par la scène d'infiltration dans le Ministère de la Magie que l'on réalise vraiment l'amélioration de la série en la matière. Dans une scène à la Mission Impossible (qui décidément après Toy Story 3 et Inception aura bien influencé les long-métrages dernièrement) au milieu d'un décor totalitaire étouffant et baroque tout droit sorti du Brazil de Gilliam, Yates, libéré de la contrainte du « résumer les huit cents pages du livre en deux heures chrono », prend son temps et réussir à instaurer un suspense terriblement prenant avant de terminer sa séquence par un beau ralenti que n'aurait pas renié un Brian de Palma. 

            Mais la plus grande surprise de cet Harry Potter 7 ½ est sa très grande noirceur et sa violence, surtout au regard de l'adaptation ciné de cette série qui a toujours privilégié un côté « enfantin » pour ne pas s'aliéner la partie du public qui selon le studio Warner garantissait le succès des films Harry Potter. On peut soit penser à une idée perverse des producteurs qui, ayant conditionné les enfants à aller voir des épisodes d'Harry Potter tout mimi et familiaux, ont décidé soudainement de les traumatiser à vie, soit, et c'est bien plus probable, à un in-extremis revirement intelligent et judicieux. Photographie plus sombre, musique d'Alexandre Desplat plus angoissante (même si elle n'atteint à aucun moment le niveau des partitions de John Williams et en particulier celle pour Le Prisonnier d’Azkaban) et plus d'hémoglobine. L'apogée du film est atteint lors de la partie assez géniale se déroulant à Godric's Hollow. D'abord terriblement émouvante, avec une Emma Watson très juste (clairement celle du trio qui s'en est toujours le mieux tiré et qui a le plus progressé) et un Daniel Radcliffe qui a de toute évidence réussi à atteindre le niveau de jeu que l'on attendait de lui, puisqu'Harry se retrouve pour la première fois devant la tombe de ses parents, la séquence devient très vite inquiétante avec l'arrivée du personnage de Bathilda Tourdesac. La scène oppressante dans une vieille maison tourne soudain dans le domaine de l'horreur la plus totale. Séquence fortement inspirée du Psychose d'Hitchcock à au moins deux reprises avec un mouvement de lampe similaire et à la façon dont Hermione découvre la vérité sur la fameuse Bathilda. Clairement la scène la plus violente, dérangeante et flippante faite dans toute la série des Harry Potter.  

            Harry Potter 7 ½ n'est pas non plus dénué de bonnes trouvailles visuelles. L'une d'elle est la séquence qui confronte Ron à l'entité maléfique contenue dans le médaillon, un des sept Horcruxes contenant une partie de l'âme du terrible Voldemort, que les héros tentent de détruire (référence un brin trop appuyé à l'Anneau de la trilogie d'héroïc-fantasy de J.R.R. Tolkien). Une fois ouvert, le médaillon laisse échapper une masse informe monstrueuse à mi chemin entre du Lovecraft et à ce qui ressemble vaguement au symbiote dans la séquence finale de Spider-man 3. Une scène terrifiante et particulièrement sombre, doublée d'un court plan montrant de faux Harry et Hermione s'embrassant à demi nu (faut pas choquer les enfants non plus), qui permet de rendre le personnage de Ron un peu moins insipide que d'habitude, ce dernier étant amoureux d'Hermione et jaloux du charisme de son meilleur ami. L'autre excellente bonne surprise est la façon dont est raconté le conte des « reliques de la Mort ». Mélange très réussi entre animation traditionnel et numérique, avec une forte inspiration vers l'imagerie médiévale et accompagnée de la voie off d'Emma Watson relatant l'histoire, cette scène est un bijou de noirceur en soit, qui rappelle un peu ce que faisait Tim Burton dans les années 90. Une bien belle audace qui permet à Harry Potter 7 ½ de se démarquer encore une fois des autres épisodes. 

            Le film donne enfin une plus grande importance au personnage de Voldemort, ce qui aurait dû être fait dans Le Prince de Sang-mêlé, et permet à Ralph Fiennes de se montrer détestable à souhait alors qu'il avait été honteusement sous-employé depuis le quatrième film où il apparaissait pour la première fois. On découvre aussi de nombreux nouveaux visages parmi les terribles Mangemorts, les sbires de Voldemort, dont le personnage de Greyback, mi-humain et mi-loup-garou, que l'on espère plus présent dans la seconde partie ainsi que l'acteur David O'Hara, inénarrable Fitzy dans Les Infiltrés de Scorsese, qui prête ses traits à Daniel Radcliffe lors de la séquence du Ministère de la Magie. Unique ombre au tableau, l'interprétation catastrophiquement surjoué d'un des personnages les plus passionnants de la série par Helena Bonham Carter (mais que lui ai-t-il arrivé ? Est-ce dû à l'influence de son mari Burton qu'elle n'arrive plus à jouer correctement sans en faire des caisses au niveau des grimaces et de la gestuelles ?). Cette première moitié s'achève sur une note résolument sombre, le sacrifice d'un personnage ami avec Harry symbolisant définitivement la fin de son enfance et l'annonce de la bataille terrible qui se rapproche à grand pas. Le climax évident, un Voldemort désormais au sommet de sa puissance et presque invincible, met fin brutalement à cette première partie car il faut bien « teasé » tout ce beau public pour qu'il retourne dans les salles en juillet.    

            Cependant, ne soyons pas fine bouche, si le principe de couper en deux cet épisode est purement mercantile, il permet néanmoins plus de liberté pour Yates afin d'adapter fidèlement le roman. Plus contemplatif, sombre, violent, désespéré, cet Harry Potter 7 ½ est l'épisode qu'on espérait plus. Et si la même note d'intention est tenue tout le long de la seconde partie, il est évident que le début de l'été 2011 sera explosif…

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 - Film français sorti le 10 novembre 2010

 - Réalisé par François Ozon

 - Avec Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Fabrice Luchini,…

 - Comédie

            En 1977, dans une province de la bourgeoisie française, Suzanne Pujol est l'épouse popote et soumise d'un riche industriel Robert Pujol. Il dirige son usine de parapluies d'une main de fer et s'avère aussi désagréable et despote avec ses ouvriers qu'avec ses enfants et sa femme, qu'il prend pour une potiche. A la suite d'une grève et d'une séquestration de son mari, Suzanne se retrouve à la direction de l'usine et se révèle à la surprise générale une femme de tête et d'action. Mais lorsque Robert rentre d'une cure de repos en pleine forme, tout se complique...

            François Ozon tient une grande forme. Moins d'un an après son dernier long-métrage, intitulé Le Refuge, il revient avec Potiche, l'adaptation cinématographique de la pièce éponyme avec un casting des plus alléchant réunissant Jérémie Renier, Karin Viard, Fabrice Luchini et le duo mythique de nouveau réuni Catherine Deneuve / Gérard Depardieu. Réalisateur talentueux et adulé par la critique qui revient à un film plus « grand public », Ozon signe ici une comédie plutôt réussie à défaut d'être vraiment audacieuse. 

            Potiche se démarque cependant de la majorité des productions « comiques » françaises en certains points. D'abord, ça fait un certain temps que l'on n'avait pas vu une comédie française aussi bien filmée. La reconstitution des « seventies » est des plus minutieuses, que ce soit au niveau des costumes, des décors ou encore de la bande son qui regorge de morceaux désuets de la variété française de l'époque. Le charme du dernier film d'Ozon fonctionne d'ailleurs en grande partie par cette nostalgie des années soixante-dix qui suinte de chaque image du long-métrage. Au point que cette représentation frôle à plusieurs reprises le cliché, mais cela sert, plus qu'elle ne dessert, cette comédie. La photographie est très travaillée et particulièrement colorée, ce qui fait ressortir le côté « kitsch » de cette période. Le talent et la mise en scène d'Ozon aident aussi Potiche à se placer dans le haut du panier de la production française ; on n'avait pas fait de comédies de façon aussi sérieuses depuis OSS 117 : Rio ne répond plus. Le montage est efficace et le rythme est continu, Potiche ne souffre donc heureusement d'aucun temps mort.  

            Le risque était pourtant de faire un film « plan-plan » et ennuyeux. Car il est bien difficile de porter une pièce de théâtre à l'écran. Ozon a l'intelligence de ne pas cantonner son long-métrage à un lieu unique, ce qui aurait pu apporter au film une trop grande monotonie. Le travail de (re)écriture pour l'adaptation n'y est pas non plus pour rien. Ozon réactualise le thème, pas forcément neuf, de la pièce qui était celui du combat des femmes pour leur émancipation dans la société et l'obtention d'une véritable égalité homme / femme ; les années soixante-dix ayant vu la renaissance vivace du mouvement féministe. Tout en y apportant une touche de critique sociale dans cette période de crise. Et si quelques références trop directes à l'actualité, et donc anachroniques, sont regrettables (l'éternel « Casse toi pov' con » qui ne sera plus très drôle d'ici une dizaine d'années par exemple), l'ensemble du long-métrage fait pourtant bien écho de façon cohérente au monde actuel, et ce, malgré une trame censée se dérouler trente ans auparavant.  

            En évitant le clivage politique facile (la droite = les crétins ; la gauche = les gentils), Ozon apporte une touche d'espoir dans ce climat social inquiétant : et si c'était les femmes qui allaient sauver la société en y apportant la touche de féminité et d'humanisme qui manque ? La dernière séquence en est particulièrement éloquente, montrant l'héroïne qui, après une élection où elle s'était présentée en tant que candidate, se met à chanter en public « C'est Beau la Vie ».  Et dans le rôle de « sauveuse », on retrouve une Catherine Deneuve qui n'avait pas été aussi jubilatoire depuis longtemps. Elle arrive sans peine à faire osciller son personnage entre naïveté candide mais pas niaise et débrouillardise inattendue. Car personne dans ce film n'est vraiment ce qu'il parait, certes coup classique de la comédie mais qui est amené avec une certaine subtilité et cohérence.  

            Et puis Potiche vaut le coup d'oeil pour sa galerie de personnages mémorables. Jérémie Renier est excellent dans le personnage plus touchant qu'amusant d'un fils qui refuse de suivre la même voie que son père. Karin Viard fait preuve d'une belle subtilité en jouant une secrétaire qui va être une des premières disciples du personnage principal et qui va s'affirmer et combattre la domination masculine archaïque qu'incarne son ancien patron. Judith Godrèche est parfaite dans un personnage insupportable et arrogant (enfin un rôle qui lui va comme un gant). Et l'imposant Gérard Depardieu se révèle très touchant dans ce film. Un bémol cependant avec l'interprétation surjouée de Fabrice Luchini qui, s'il a l'air de bien s'amuser, en fait des tonnes et n'arrive à rendre son personnage complexe et attachant que durant les cinq dernières minutes.  

            Le dernier film d'Ozon remplie donc son contrat et même si, en terme d'humour, il est largement en dessous du dyptique OSS 117 de Michel Hazanavicius et d'une bonne partie des comédies américaines actuelles (les Judd Apatow, Greg Mottola, Ben Stiller et autres Seth Rogen), Potiche demeure ce qui se fait de mieux dans le genre « comédie à la française », noyé sous les productions TF1 avec Kad Merad, Franck Dubosc ou Clovis Cornillac. Pas franchement hilarant, ni osé, mais bien sympathique et honnête. 

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 - Film espagnol sorti le 03 novembre 2010

 - Réalisé par Rodrigo Cortés

 - Avec Ryan Reynolds, Robert Paterson, José Luis Garcia Pérez,…

 - Thriller

            Ouvrez les yeux. Vous êtes dans un espace clos, sous une tonne de terre irakienne avec quatre-vingt dix minutes d'oxygène et pour seule connexion vers l'extérieur d'un téléphone portable à moitié rechargé. Tel est le destin de Paul Conroy, entrepreneur américain pris en otage et enfermé dans une boite contre une rançon très importante. Le temps file et chaque seconde qui passe le rapproche d'une mort certaine...

            De façon assez récurrente, après une attente de quelques mois, une pépite inattendue nous tombe dessus. Sans aucun avertissement. C'est comme ça qu'on découvre un réalisateur prometteur tel que Fred Cavayé en allant voir sur un coup de tête son premier film, Pour Elle. C'est aussi de cette façon que l'on se retrouve face à un bijou de noirceur intitulé The Chaser qui révélait par un premier essai brillant le cinéaste sud-coréen Na Hong-jin. C'est encore de cette manière que l'on reçoit un grand électrochoc par l'un des plus beaux exploits de l'année dernière avec District 9 de Neil Blomkamp, aussi un premier long-métrage. Le Buried de Rodrigo Cortés s'inscrit dans cette lignée : film-concept très délicat précédé d'un bon « buzz » et qui se révèle maîtrisé et audacieux de bout en bout.  

            Premier bon point : Cortés respecte à la lettre sa note d'intention, c'est-à-dire réaliser un film qui se passe intégralement dans un cercueil. L'autre bon point, que certains lui reprochent comme s'il avait reculé devant le dernier obstacle, c'est qu'il ne cède pas à la tentation « film-concept de musée » en filmant le scénario en un long plan-séquence. Cortès n'oublie pas qu'il fait avant tout du cinéma et déploie une mise en scène virtuose qui exploite toute les possibilités que lui offre son délicat sujet. On pense d'abord à Quentin Tarantino qui avait réalisé un segment similaire dans Kill Bill : Volume 2, où Uma Thurman luttait pour sortir du cercueil dont elle était prisonnière, et de son excellent épisode de la série « Les Experts », où ces derniers devaient sauver un de leur collègue qui se trouvait dans la même situation que le Paul Conroy de Buried. Mais le projet de Cortès est plus risqué par sa longueur (une heure et demie) et son parti pris : ne jamais quitter le cercueil. Alors quelles sont donc les secrets de la réussite du film de Cortès ? 

            D'abor la mise en scène dynamique et le scénario écrit de façon à ce qu'il n'y ait jamais de temps morts. Le film débute par exemple de manière surprenante : complètement dans le noir. A l'aide d'un magnifique travail sonore, le réalisateur arrive à nous faire « voir » Paul en train de s'éveiller et de paniquer en découvrant sa terrible situation. Beau travail aussi sur la photographie, en s'appuyant principalement sur les différentes sources lumineuses disponibles pour Paul (briquet, écran bleuté de téléphone portable, lampe phosphorescente,...) pour donner au cercueil une ambiance particulière selon les scènes (orange, bleu, vert ou encore rouge). A côté de cela, Cortès utilise de nombreux mouvements de caméra pour renforcer l'étroitesse de l'espace dans lequel se retrouve Conroy. A l'inverse, Cortès ne respecte pas constamment les règles physiques en enlevant ou ajoutant des murs pour permettre certains mouvements de caméra ; magnifique plan où la celle-ci s'éloigne vers le haut du personnage principal, donnant l'impression qu'il est coincé dans un puits sombre, renforçant ainsi cette impression de claustrophobie, d'oppression et d'inéluctabilité tragique.   

            Tous ces effets sont renforcés par un travail minutieux sur le son. Impossible de supporter les deux - trois premières minutes où le moindre bruit est étouffé au maximum. Le travail sonore sur ce film est omniprésent : les coups réguliers contre la paroi du cercueil pour renforcer cette idée d'enfermement et la difficulté de se mouvoir dans un tel endroit, les bruits extérieurs légèrement inaudibles et surtout les voix des différents protagonistes que l'on entend par le portable. Cortès a d'ailleurs fait un casting vocal très précis afin que par la seule voix on puisse imaginer à quoi ressemblent les personnages qui parlent, ainsi que ce qu'ils pensent. Le film réussit son pari aussi, et avant tout, par un scénario bien écrit. Comme le dit Cortès : « Buried c'est Indiana Jones dans un cercueil ». La structure narrative est construite sur le même modèle : trouver toutes les dix minutes un rebondissement qui arrive à captiver le spectateur jusqu'au suivant. De ce point de vue, le scénario est une réussite et ce, même si on pourra « regretter » deux ou trois situations un peu trop fantaisistes comme l'épisode du serpent ou encore celui du doigt (remarquable travail sonore, encore une fois, pour cette séquence qui vous donnera forcément la nausée).

            En plus de cela, la trame se déroulant en Irak, Buried se révèle comme une subtile métaphore sur le conflit irakien, le bourbier américain et surtout sur le désintérêt de la hiérarchie pour un homme lambda. Quel serait son intérêt de sauver et de payer plusieurs millions de dollars pour un homme qui ne manquera qu'à sa famille ? Le dernier quart d'heure en est même particulièrement éloquent lorsque Conroy, alors qu'il ne lui reste que quelques minutes à vivre, subit un chantage de sa compagnie qui refuse de payer les dégâts et d'être considérée comme responsable d'une situation dans laquelle il se serait mis tout seul. Paul Conroy est un homme pauvre, abandonné en terrain inconnu et hostile. Un dommage collatéral d'un conflit dont il ne comprend rien et auquel il n'aurait jamais dû être mêlé. Et en fin de compte la réussite de Buried tient en deux mots : Ryan Reynolds. En effet, s'il lui est souvent arrivé d'être un comédien plutôt amusant (voire lourd) et parfois attachant comme dans Adventureland, c'est ici qu'il se révèle vraiment en tant qu'acteur accompli. Il passe brillamment l'épreuve difficile du « seul à l'écran », comme Tom Hanks dans le film de Zemeckis, Seul au monde. Sans cabotiner ou sombrer dans le pathos, il se montre bouleversant en homme au bord de la crise de nerfs, face à une mort inéluctable mais qui se refuse d'abandonner espoir jusqu'au dernier instant. Un homme comme tout le monde, qui souhaite plus que tout parler une dernière fois à sa femme avant de mourir. 

            Buried est une bien belle surprise, un thriller hitchcockien maîtrisé, audacieux, terrifiant et terriblement prenant. En plus de révéler un metteur en scène inventif, il permet à Ryan Reynolds de dévoiler toute l'étendue de son talent dans un rôle physiquement et psychologiquement éprouvant. Difficile de ressortir indemne après la projection de ce film qui vous clouera sans aucun doute à votre siège et qui vous donnera à la fois de grandes montées d'adrénaline et la désagréable impression d'avoir été vous-même enfermé dans un  cercueil obscur pendant près de quatre vingt-dix minutes. 

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