Et c'est parti pour dix-huit mois d'hystérie. Les geeks sont déjà au bord de l'insomnie, à l'affut de toute information croustillante qui leur permettra de rêver en attendant sa sortie en salles. Les sites sur le cinéma n'hésitent plus à balancer en "Une" de courts textes portant sur la moindre rumeur qui ébranle la toile, ayant ainsi l'assurance d'obtenir un maximum de "clics" en un minimum de temps. Ce projet qui attirera tous les regards jusqu'en décembre 2016 est évidemment Star Wars VII de J.J. Abrams. Et autant le dire, on n'avait pas vu pareille surexcitation collective pour un film depuis celle qui avait précédé la sortie de... Star Wars - Episode I : La Menace Fantôme de George Lucas.

Souvenez-vous, c'était en 1999, soit une éternité à l'échelle d'Internet où toute "news" est quasiment périmée avant même qu'elle n'ait eu le temps d'être massivement diffusée. Le long métrage de George Lucas était alors attendu comme le Messie car celui-ci marquait le début de la préquelle en trois épisodes devant révéler ce qui s'était passé avant les évènements relatés dans la trilogie originale de La Guerre des Etoiles, une oeuvre profondément ancrée dans l'inconscient collectif et apparaissant à juste titre comme l'un des pilliers de la culture populaire moderne. Sorti en 1977, le premier opus de Star Wars reçut, contre toute attente et malgré une production infernale pour son instigateur, un triomphe d'une ampleur inédite dans l'Histoire du cinéma. Comme le montrent ces images sidérantes du Chinese Theater à Los Angeles en mai 1977, les files d'attente aux Etats-Unis pour chaque séance s'étendaient jusque dans les rues, et ce, parfois sur plusieurs "blocs". Tout le monde voulait voir ce "space opera" dont tout le monde parlait. Tout le monde voulait voir ce phénomène qui déchainait la masse. Tout le monde voulait y participer, le vivre et l'intégrer afin de pouvoir dire à son tour : "Moi aussi, j'ai découvert Star Wars au cinéma". Les "vieux" critiques de l'époque étaient dépassés. En France, les remarques dédaigneuses ont fusé afin de tenter futilement de minimiser l'impact gigantesque que le film était en train d'engendrer à l'échelle mondiale (et non pas uniquement dans le milieu hollywoodien) tout en essayant de montrer qu'ils - l'intelligencia - n'étaient pas dupes face à ce gros jouet bruyant rempli d'effets visuels hallucinogènes visant à satisfaire de jeunes dépravés accrocs aux substances LSD.

On peine à présent à le croire, mais le long métrage déchaina les passions. Parce qu'il parvenait à plaire au plus grand nombre grâce à cette épopée à vocation universelle - qui est dorénavant citée comme exemple dans les écoles de scénaristes - Lucas fut la cible de critiques d'une agressivité désolante. En France, le journaliste Ignacio Ramonet fit notamment une analyse idéologique du film en écrivant que :

"seuls les Blancs (et anglophones) parviendront jusqu'au futur ; que [...] les femmes des agriculteurs devront toujours faire la cuisine pour leur mari : [...] que les militaires auront des tentations totalitaires, qu'ils [...] se mettront sous les ordres d'une jeune princesse et que celle-ci, à la fin, distribuera des décorations au cours de grandioses cérémonies de saveur hitlérienne." (1)

De leur côté, les critiques de l'émission "Le Masque et la Plume" se gaussèrent pour la plupart à son sujet en le balayant d'un revers de la main. Peu importe, le succès fut démesuré malgré ces quelques avis mesquins et George Lucas put étendre son odyssée comme il le prévoyait au départ avec Star Wars - L'Empire contre-attaque en 1980 et Star Wars - Le Retour du Jedi en 1983. Le cinéaste originaire de la ville de Modesto développa un puissant empire à l'aide de sa soudaine fortune mirobolante - accumulée notamment par sa judicieuse décision de baisser son salaire pour reçevoir en échange l'intégralité des recettes de la branche des "produits dérivés" alors peu considérée par les grands studios - qui lui assura le contrôle absolu sur ses futures productions et sur l'univers Star Wars dont il se retrouvait être l'unique décisionnaire.

Néanmoins, ce n'est qu'en 1999 que Lucas revint derrière la caméra, puisqu'il avait préféré assurer le poste de "producteur" lors des deux suites afin de déléguer le fastidieux boulot de la mise en scène tout en gardant le contrôle de la franchise. C'est cette Menace Fantôme qui marquait son retour en tant que cinéaste, ving-deux ans après La Guerre des Etoiles, désormais rebaptisée Star Wars - Episode IV : Un Nouvel Espoir afin de l'inclure logiquement dans le cadre de la trilogie préquelle qu'il préparait et qui se centrait sur la chute du chevalier Jedi Anakin Skywalker - le père de Luke, le héros de la trilogie initiale - qui l'amènera à devenir le vilain Dark Vador. La production de ce premier opus qui devait ouvrir les festivités avant le passage à l'an 2000 fut scrupuleusement suivie par une immense communauté de "fans" grâce à un nouvel outil d'informations en pleine expansion : l'Internet. En effet, La Menace Fantôme fut le premier "blockbuster" dont la fabrication a été particulièrement relayée via la toile et suivie massivement par les internautes-cinéphiles. Néanmoins, tout le monde ne disposait pas encore de cet outil aujourd'hui démocratisé. Pour découvrir les deux bandes annonces du film, les fans devaient parfois aller au cinéma pour la voir. Ainsi, aux Etats-Unis, il n'était pas rare qu'une partie du public quitte la projection d'un film après la diffusion du premier "trailer".

Inutile de dire que ce dernier entraina des réactions toutes sauf mesurées, la grande majorité s'extasiant sur les "money shots" tandis qu'une minorité s'inquiétait d'y retrouver des traces des travers que Lucas avait développé : une omniprésence du numérique (cf. la ressortie en 1997 de la trilogie originale au cinéma, dotée de plusieurs hideuses séquences modifiées afin de rendre populaire une saga qui l'était déjà auprès d'une nouvelle génération de gamins), une tendance à l'infantilisation (cf. le tristement fameux "Star Wars Holiday Special" que la société Lucasfilm a maintes fois tenté de supprimer), ou encore un amoindrissement de la portée mythologique de l'intrigue au profit d'un déluge de pirouettes spectaculaires. La sortie du "film-évènement qui allait tout ravager sur son passage et entrainer une nouvelle ère dans l'histoire du cinéma" en calma plus d'un. Entre Jar Jar Binks, l'acteur insipide incarnant Anakin Skywalker, un casting qui déclamait ses lignes avec toute la mauvaise volonté du monde, des personnages aux accents un tantinet racistes, Jar Jar Binks, un rythme mal gêré, d'interminables débats parlementaires pour vaguement tenter d'expliquer un complot corporatiste, une démystification de la Force et Jar Jar Binks, La Menace Fantôme prouvait qu'il n'était absolument pas à la hauteur des épisodes précédents tout en étant aussi désastreux si l'on se contentait de le juger par rapport aux "standards" de l'époque.

L'Attaque des Clônes en 2002 et, dans une moindre mesure, La Revanche des Siths en 2005 confirmèrent la débacle de l'entreprise. De plus en plus d'effets digitaux pour que Lucas n'ait plus à souffrir des contraintes et des contretemps inhérents à la mise en scène, du "fan service" inutile (Jango Fett, père du tueur à gage Boba Fett si aimé des afficionados de Star Wars, en est l'exemple le plus flagrant), des incohérences à la pelle qui prouvaient que Lucas n'avait jamais eu une ligne directrice précise concernant la prélogie, d'interminables scènes de discussion filmées en champs et contrechamps basiques, un univers de moins en moins original,... Si l'on écarte le miracle qu'a accompli la série animée Clone Wars par Genndy Tartakovsky, seuls le Obi-wan joué par Ewan McGregor et la composition musicale toujours aussi épique de John Williams surnagent aujourd'hui encore de ce carnage intégral. Pourtant, la perspective de poursuivre l'aventure Star Wars malgré un retour aussi calamiteux continua d'enthousiasmer les cinéphiles. Sitôt la prélogie achevée, tout le monde espérait voir se concrétiser cette fameuse troisième trilogie supposée se dérouler après les aventures originales de Luke Skywalker - période qui avait été explorée dans de nombreuses versions parallèles par des artistes divers, formant ce que l'on appelle "l'Univers Etendu". 

Cette arlésienne ne datait pas d'hier mais peu de choses concrêtes avaient été dévoilées sur ce que ces hypothétiques opus VII, VIII et IX étaient supposés raconter depuis que Lucas en avait fait mention dès la fin des années 1970. Indéniablement, Lucas et son équipe de scénaristes avaient réfléchi sur la trame d'épisodes ultérieurs au Retour du Jedi, mais le contenus de ceux-ci semblaient changer diamétralement au fil des années. La mystérieuse genèse de cette troisième trilogie était pour le moins complexe comme en atteste avec moultes détails l'article "La véritable histoire de épisodes VII, VIII et IX". Mais peu-à-peu, les rumeurs se calmèrent lorsque Lucas - après une série de triturations abominables visant à faire correspondre les trois épisodes originaux avec la prélogie - annonça qu'il prenait sa retraite et que, au bout de quelques années, rien de concret n'avait été annoncé pour confirmer la mise en chantier de cette troisième trilogie. C'est alors qu'un communiqué de presse d'une importance certaine dans l'Histoire du cinéma fut publié sur le net le 30 octobre 2012. Personne n'avait rien vu venir. Fait inédit, il n'y avait eu aucune fuite préalable au cours des mois précédents. Malgré l'ampleur de l'information, cette dernière a été révélée officiellement pour la toute première fois sans qu'Internet n'ait pu gâcher la surprise. Le 30 octobre 2012, le monde du cinéma a subi un véritable séisme à cause de cette photo :

L'Internet cessa de tourner. Comment une telle "news" a-t-elle pu échapper aux radars des internautes avant son officialisation ? Ainsi, après avoir lutté pendant trois décennies contre la mainmise des gros studios californiens afin de conserver le contrôle de ses films et de son univers, Lucas cédait toutes ses créations à la plus grosse des "majors" (2). En plus de sa célébrissime filiale d'animation, Disney disposait dorénavant de Pixar, de la majorité des super-héros Marvel, de la franchise Star Wars et de la série Indiana Jones - même si la priorité est donnée au "space opera", nul doute que le "reboot" des aventures de l'archéologue au chapeau est en préparation, le studio n'en ayant pas obtenu les droits d'exploitation à un tel prix pour ne rien en faire. Le prix de l'indépendance de Lucas contribua à la sidération qu'engendra cette nouvelle. Disney dû en effet débourser 4,05 milliars de dollars afin d'acquérir ce que le cinéaste avait mis tant de temps à développer à l'écart des studios : Lucasfilm Ltd, une entreprise pionnière dans le divertissement et l'innovation des technologies cinématographiques fondée à San Francisco dans le "Skywalker Ranch". Disney disposa de plus des filières s'occupant de la production de films "live", de produits dérivés et d'effets visuels - on y retrouve LucasArts, ILM (Industrial Light & Magic) et Skywalker Sound. Afin de sceller la transaction, le cinéaste déclara :

"Durant les 35 dernières années, un de mes plus grand plaisir a été de voir Star Wars passer d'une génération à la suivante. Il est maintenant temps pour moi de transmettre Star Wars à une nouvelle génération de réalisateurs. J'ai toujours cru que Star Wars pourrait me survivre, et je pense qu'il était important de réaliser cette transition de mon vivant. Je suis confiant dans le fait que Lucasfilm, sous la direction de Kathleen Kennedy et ayant une nouvelle maison au sein de l'organisation Disney, et Star Wars continueront de vivre, et fleuriront pour les nombreuses générations à venir. La portée de Disney et son expérience donnent à Lucasfilm l'opportunité de s'ouvrir vers de nouvelles voies dans le cinéma, la télévision, les médias intéractifs, les parcs à thèmes, les spectacles live, et les produits dérivés." (3).

Le 31 octobre, tout le monde ne parlait plus que de cela : après tant d'années d'incertitude, il y aura bien de nouveaux épisodes Star Wars au cinéma ! Aussitôt, la farandoles des rumeurs commença autour du film "le plus important de ces prochaines années" tandis que le sabotage conscient du John Carter d'Andrew Stanton quelques mois auparavant s'éclaira sous un nouveau jour - adapté des romans d'Edgar Rice Burrough composant ce Cycle de Mars qui servait de source d'inspiration principale à Lucas, le film produit par Disney risquait de lancer une franchise concurrente et trop similaire. La question qui brulait les lèvres était : Star Wars allait-il survivre à ce passage de flambeau ? Cette nouvelle génération de cinéastes réussirait-elle à rendre justice à l'univers de Lucas maintenant que ce dernier a accepté de ne plus être le "Gardien de la Flamme" ? De prime abord, si l'on passait outre l'idée absurde que Star Wars n'appartenait qu'à Lucas - ce qui était faux même lors de la confection de la trilogie initiale au cours de laquelle de nombreux collaborateurs apportèrent leur grain de sel - il y avait plutôt de quoi se réjouir par cette transition, surtout après cette prélogie qui avait montré que Lucas n'était plus que l'ombre de lui-même.

L'une des autres raisons était la présence de Kathleen Kennedy à la tête du projet. Cette dernière est l'une des (rares) femmes (très) puissantes à Hollywood et co-dirigeait jusqu'à lors avec son mari The Kennedy/Marshall Company crée en 1992. Cette société de production avait notamment à son actif Sixième Sens de M. Night Shyamalan, Munich et Lincoln de Steven Spielberg ou encore Persépolis de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud. De façon plus large, Kennedy, après avoir débuté comme assistante auprès du scénariste et cinéaste John Milius, s'est imposée peu-à-peu comme une figure de proue du divertissement hollywoodien et a produit la quasi-intégralité des longs métrages de Spielberg depuis les années 1980 (dont E.T. et la trilogie Jurassic Park). Très peu de temps après que le colossal marché ait été conclu, Kennedy révéla qu'elle travaillait depuis plusieurs mois sur le lancement d'une nouvelle trilogie. A partir d'un traitement écrit par Lucas retraçant les grandes lignes qu'étaient supposés suivre les trois prochains épisodes, le scénariste oscarisé Michael Arndt (Little Miss Sunshine, Toy Story 3) fut chargé de composer le script de l'épisode VII.

Il est difficile de ne pas se perdre dans le flot d'annonces plus ou moins sérieuses qui déferla durant les mois suivants. Le planning de Disney entendait sortir un film Star Wars tous les ans. L'épisode VII devait sortir en mai 2015 (date symbolique) avant d'être repoussé à décembre, l'épisode VIII est prévu en 2017 et l'épisode IX arrivera en 2019. Pour combler les trous, divers films additionnels furent annoncés : des "spin off", soit des longs métrages se déroulant dans le même univers mais se focalisant sur d'autres personnages et d'autres intrigues. Le 5 février 2013, Disney confirma la mise en chantier de ces derniers sans dévoiler sur quoi ils porteraient. Trois seraient officiellement prévus - le premier mis en scène par (le jeune) Gareth Edwards (Monsters, Godzilla) sortira à l'été 2016 et le second réalisé par (le jeune) Josh Trank (Chronicle, le "reboot" des 4 Fantastiques) sera visible sur les écrans à l'été 2018. Une rumeur apparue en janvier 2013 voulait que Zack Snyder (300, Watchmen, Man of Steel) se charge du troisième, qui reprendrait l'intrigue des Sept Samouraïs d'Akira Kurosawa (ce dernier ayant été une des grandes influences de la saga) en la transposant dans cette galaxie très, très lointaine. Néanmoins, le bonhomme est rattaché pour une durée indéterminée à Warner avec Man of Steel 2/Superman v. Batman/La Ligue des Justiciers, le commencement (on ne sait plus trop) puis par La Ligue des Justiciers. Des rumeurs récentes et persistantes veulent que ces "spin off" tournent autour de la jeunesse de Han Solo, de Boba Fett et du petit maitre jedi vert Yoda.

Mais qui allait oser s'asseoir sur le siège du réalisateur à la place de Lucas ? Qui aller être assez suicidaire pour s'embarquer dans le projet le plus risqué de ces dernières années - ne bénéficiant pas de la sacro-sainte aura du "Gardien du Temple", le moindre échec risque d'être fatal à la carrière du cinéaste qui aura à affronter les foudres d'une horde composée de quelques millions de fans ? Si les noms de Neill Blomkamp (District 9, Elysium), de Joseph Kosinski (Oblivion, Tron l'héritage produit chez Disney) ou d'Andrew Stanton (un grand nom de Pixar ayant à son actif Le Monde de Némo, Wall-e et John Carter) faisaient rêver les cinéphiles et laissaient entrevoir une variété d'approches stimulantes et variées, ils semblerait qu'ils n'aient jamais été vraiment envisagés. Le premier cinéaste à avoir été approché pour l'épisode VII fut évidemment Steven Spielberg. Ami proche de Lucas et de Kennedy, il a entretenu un certain lien avec la saga : il a failli réaliser Le Retour du Jedi, a participé à l'élaboration du duel final dans La Revanche des Siths et s'est amusé à faire des clins d'oeil malicieux aux films dans E.T.. Mais le bonhomme a roulé sa bosse depuis et il déclina l'offre - il déclarait à cette époque qu'il voulait se mettre "en danger" et que faire des films d'aventure ne l'intéressait plus car il savait les réaliser les yeux fermés.

De son côté, Guillermo Del Toro (Le Labyrinthe de Pan, Pacific Rim) aurait été judicieusement contacté via son agent mais le cinéaste mexicain a refusé - son planning était déjà tellement chargé qu'il devait abandonner ou déléguer les trois quarts des projets auxquels il se retrouvait attaché. Son ami proche Alfonso Cuaron (Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban, Les Fils de l'Homme, Gravity) aurait entrepris des discussions mais celles-ci auraient en fait concernées la réalisation d'un épisode ultérieur - si la participation de ce cinéaste génial serait plus que réjouissante, ce dernier souhaite pour l'instant faire une pause après avoir passé quatre années épuisantes sur son propre film spatial. De manière plus surprenante, Ben Affleck (Gone Baby Gone, Argo) aurait aussi été courtisé tandis que Matthew Vaughn (Layer Cake, Kick-ass, X-men : le commencement) aurait été très proche de décrocher le poste - il aurait notamment conseillé d'engager Chloe Moretz (Kick-ass, Laisse-moi entrer) pour l'un des rôles principaux. De tous ces noms, le candidat le plus sérieux fut Brad Bird. Le réalisateur du Géant de fer, des Indestructibles, de Ratatouille et de Mission Impossible : Protocole Fantôme a déclaré que Lucas et Kennedy l'avaient rencontré en personne mais qu'il avait décliné l'offre pour se consacrer pleinement sur son prochain film intitulé Tomorrowland. 

Ce rendez-vous manqué est frustrant tant Bird est un artiste d'une grande intelligence, capable d'être aussi à l'aise avec le drame, l'humour et l'action. Il a l'expérience des grandes productions et il sait comment s'adresser à un jeune public tout en maniant des références et des thématiques susceptibles de parler aux adultes. Ne perdons pas espoir pour un futur épisode (4) car son "remplaçant" ne lui est pas étranger et a participé à l'élaboration de son film d'espionnage avec Tom Cruise. Le 25 janvier 2013, nouveau coup de théâtre : LucasFilm annonça que J.J. Abrams sera le réalisateur de Star Wars - Episode VII. "Golden Boy" de Hollywood qui rêve d'être Spielberg sans jamais parvenir à la cheville de son modèle, Abrams a débuté en tant que producteur et scénariste à la télévision (Lost notamment) avant de faire ses premier pas en tant que metteur en scène de cinéma avec Mission : Impossible 3 (il avait au préalable co-écrit Armaggedon de Michael Bay et rédigé une version de Superman lorsque la Warner tentait de ressuciter la franchise à la fin des années 1990). Grace à son succès et à sa popularité grandissante, ce "geek" portant toujours des lunettes, une casquette, un jean et des baskets (voyez que la tentative d'imitation du cinéaste des Dents de la Mer est d'une grande subtilité et ne se limite pas qu'à ses films - il ne manque plus que la barbe) eut ensuite pour tâche de ressuciter la série Star Trek sur le grand écran après moultes films de qualité décroissante.

Ainsi, grâce à un choix d'une franche originalité, les deux séries de S.F. concurrentes (et supposées très opposées) furent confiées au même homme. Sachant que Abrams, pour faire renaître la série de Gene Roddenberry, a pompé Star Wars, on peut considérer et craindre que son Episode VII ne soit pas très différent de son Star Trek et de sa suite pas super réjouissante Star Trek - Into Darkness. Pour rappeler la méfiance qu'inspire Abrams en ces lieux, je me contenterais de citer ce que j'avais écrit à son sujet lors de la critique de son précédent film :

"Certes, J.J. Abrams vient lui-aussi [à l'instar de son mentor Spielberg] de la télévision [...]. Mais son embrayage dans le domaine du cinéma est moins jubilatoire et original : la suite d'une série (Mission : Impossible 3), le "reboot" d'une vieille série (Star Trek), le "remake" masqué d'un classique de la S.F. sorti en 1982 (Super 8, vendu comme un projet original alors qu'il repompait intégralement une imagerie popularisée par le studio Amblin tout en la mâtinant d'un peu de Jurassic Park), et maintenant la suite du "reboot" de la vieille série (Star Trek - Into Darkness) avant la suite-"reboot" d'une énième franchise ne lui appartenant pas."

Le bonhomme n'est donc pas le plus imaginatif - ou le moins récycleur/plagieur - des cinéastes et sa personnalité est très peu marquée malgré l'insistance des "Cahiers du Cinéma" à nous le faire passer pour le meilleur "entertainer" dont Hollywood dispose à l'heure actuelle. Néanmoins, si le bougre n'est pas un grand réalisateur, il est un publicitaire hors pair aux méthodes parfaitement rodées. Le point de départ de ses films est toujours alléchant, le tournage est top secret pour intriguer les "geeks" avant de les exciter par quelques photos soit-disant "volées", quelques "teasers" font monter la sauce, on ment sur des points de détail pour faire croire que rien n'a été éventé. L'effet est que les cinéphiles se mettent à élaborer toute une intrigue et une mythologie "parallèles" à celles du film réel qu'ils n'ont pas encore vu (5). Le buzz monte à son paroxysme alors que J.J. fait le tour des conventions de "fanboys" pour leur dévoiler un morceau exclusif de la chose. Après de si longs préliminaires vient l'extase tant attendue avec la projection. Et lors du générique de fin, le spectateur plongé dans un état post-coïtal réalise avec déception que ça ne valait pas tout ce tintamarre. Comme pour confirmer la mauvaise tournure que venait de prendre le projet, Ardnt fut mystérieusement remplacé par Abrams et Lawrence Kasdan - une des nombreuses cautions artistiques visant à satisfaire et à aveugler les puristes. Ce dernier est le scénariste de L'Empire contre-attaque et du Retour du Jedi (ainsi que des Aventuriers de l'Arche Perdu) ; il bénéficie donc d'un certain "background" bien qu'il n'ait rien fait du même niveau depuis trente ans. Et Abrams est loin d'avoir brillé par la tenue de ses précédents scénarii. Simple réécriture ou refonte totale du projet ? On l'ignore mais cela a été suffisamment important pour repousser de six mois la sortie du film (Disney refuse d'accorder un délai supplémentaire). Plus d'un an après, la production derrière l'Episode VII révéla enfin son casting, marquant le "top départ" du tournage et de l'hystérie qui va durer sans discontinuer jusqu'en décembre 2015 :

A la liste d'acteurs sus-mentionnés s'ajoutent Max Von Sydow (L'Exorciste), Gwendoline Christie (la série Game of Thrones), l'oscarisée Lupita Nyong'o (12 Years a Slave) et a priori David Oyelowo (Jack Reacher). Si l'on s'en fie à l'âge et à la couleur de peau de ces deux derniers, on peut conclure qu'ils incarneront sûrement la mère et le père du personnage joué par Boyega. Ajoutons aussi qu'il s'agirait de "méchants" - vous voyez venir l'intrigue très originale dans la saga du jeune héros contraint d'affronter ses propres parents ? Parmi les recalés, citons Gary Oldman, Michael Fassbender, Saoirse Ronan (malheureusement), Zac Efron, Benedict Cumberbatch (malheureusement, bis) ou encore Judie Dench. Le casting rassure autant qu'il inquiète. Le bon coté est que ces acteurs sont d'excellents comédiens capables de rendre pleinement justice aux dialogues si particuliers de ce "space opera". Le retour des anciens est risqué, mais il semblerait qu'après un régime draconien Mark Hamill et Carrie Fisher semblent à peu près prêt à rendre justice à la version âgée de leurs personnages.

Néanmoins, attention à l'excès de nostalgie - probablement la plus grande crainte que l'on puisse avoir au sujet d'Abrams qui se complait bien trop souvent à faire des clins d'oeils et à récycler ce qui a été fait auparavant ! De plus, la mise en avant de Harrison Ford au détriment de Hamill (le premier étant beaucoup plus célèbre et son personnage étant beaucoup plus mémorable) indique que Star Wars ne suivra plus vraiment la lignée des Skywalker. Pour ne rien arranger, Ford, dont le rôle dans l'épisode VII a été décrit comme "gigantesque" - nul doute que la star devrait voir son ancien souhait être réalisé à la fin du film, vient de se blesser et est indisponible pendant huit semaines. Et devait-on vraiment reprendre le diminué Mayhew pour Chewbacca ainsi que Kenny Baker pour le droïde R2-D2, à l'heure où l'on peut éviter à un nain de se retrouver enfermer dans un caisson afin de controler le petit droïde, pour plaire à tout prix aux fans intégristes ?

Dans le cas des "nouveaux", on peut être légèrement perplexe. Qui parie qu'Oscar Isaac incarnera une sorte d'antihéros cynique visant à remplacer Han Solo ? Qui parie que le pro de la performance capture Andy Serkis interprêtera une créature alien chargée de se substituer à un Chewbacca grabataire ? Von Sydow jouera-t-il le fantôme d'Obi-wan Kenobi ? Les espoirs de nouveauté - loin d'être garantis - sont donc à placer dans le trio de héros principaux : Boyega (surement le nouveau "Luke"), Ridley (vu sa position sur la photo, probablement la fille de Solo et de Leia, et donc la remplaçante de cette dernière) et vraisemblablement Dominic Gleeson (à moins qu'il ne s'agisse d'Isaac chargé de se substituer à Solo). Abrams osera-t-il s'aventurer dans de nouveaux horizons ? Rien n'est moins sûr quand on se rappelle ses deux Star Trek complètement référenciels. Pour confirmer cette déférence paralysante, John Williams a été engagé pour les trois films au détriment d'un peu de sang neuf (au hasard, le tout indiqué Michael Giacchino). On peut craindre, vu l'âge du géant de la B.O. de films, qu'il ne parvienne pas à finir la trilogie, ce qui pourrait s'avérer dommageable quant à l'homogénéité musicale de l'ensemble. Evidemment, l'adoré Faucon Millenium sera là.

Et depuis quelques semaines, les effets d'annonces se multiplient pour donner aux fans ce qu'ils réclament (cette servitude envers eux sera-t-elle bénéfique au film ? Rien n'est moins sûr). Tournage en 35mm évidemment, localisé à Londres comme lors de la première Guerre des Etoiles, avec le retour d'une partie de l'ancienne équipe technique tandis qu'une part de l'intrigue se déroulera sur Tatooine (à croire qu'il n'y a que cette planète dans la galaxie Star Wars). Une longue série de photos "volées" est apparue dernièrement sur le net. Outre le fait que l'on puisse douter du caractère clandestin de ces images - comme si le tournage d'un film évènementiel était aussi détendu qu'un Club Med ! - celles-ci dévoilent plein de décors, d'accessoires et de bébêtes "en dur" afin de faire croire aux fans qu'il n'y aura pas beaucoup d'effets numériques (vous voulez dire comme lorsqu'on nous l'avait promis durant la production d'Indiana Jones et le crâne de cristal ?). Au passage, l'une d'entre elles prouve déjà qu'il y aurait bien un récyclage des anciens "concept arts" non employés par le film de 1977 (cf. cette sublime image de Ralph McQuarrie). Tout va bien : en 2014, on s'apprête à filmer un long métrage exactement comme en 1977, et tout ça pour votre bon plaisir ! Pendant ce temps-là, une rumeur persistante annonce que le costume de Boba Fett se promènerait sur le plateau - cette résurrection collerait idéalement avec ce supposé "spin-off" qui lui serait dédié.

On le sait, la mode hollwoodienne est à la nostalgie. Qu'il est aisé d'obtenir un succès en titillant la fibre sensible des cinéphiles : les plus vieux voudraient revivre cet émerveillement de leur jeunesse tandis que les plus jeunes souhaitent avoir l'opportunité de voir ces classiques - ou un "ersatz" - sur un grand écran et non plus en DVD. Néanmoins, combien de ces retours opportunistes n'ont pas été de véritables gueules de bois ? La leçon que nous ont donné Indiana Jones 4, Prometheus, Die Hard 4, Predators, les "remakes" de Total Recall, Robocop, The Thing, etc,... ne nous ont rien appris ? Cela est voué à l'échec car un film est TOUJOURS représentatif de son époque. Et la nôtre n'est pas assez courageuse pour inventer ses propres mythologies. Alors on pille (et non "s'inspire") d'anciennes oeuvres en croyant qu'il suffit de quelques clins d'oeils malicieux envers leurs éléments les plus caractéristiques pour que cela suffise à obtenir la même "essence". Combien de temps faudra-t-il encore pour que les cinéphiles comprennent que la nostalgie est un dangereux leurre commercial - car ce n'est évidemment pas par "nostalgie" que Disney a lancé une troisième trilogie Star Wars ?

Si on peut laisser le bénéfice du doute à Abrams qui peut nous réserver un sursaut en se retrouvant à la tête de son oeuvre préférée - si un bon réalisateur peut faire un mauvais film, pourquoi un cinéaste quelconque ne pourrait pas avoir un éclair de génie (Jason Reitman et Doug Liman nous l'ont prouvé avec leurs derniers films) ? - il est quand même difficile de jouer les impatients devant cette production aux airs de déjà-vu qui seront sans nul doute confirmés lors de la diffusion des premières photos officielles, des trente "trailers" et des cinquantes posters qui seront tous décortiqués plus que de raison. Si on a le droit d'attendre ce Star Wars VII, peut-on quand même s'avouer méfiant devant autant de bonnes intentions qui ne peuvent être complètement honnêtes ? Peut-on être un peu agacé par le fait que l'on nous concocte une soupe à laquelle on a déjà gouté ? Peut-on enfin surtout dire qu'un Star Wars devrait être infiniment plus qu'un divertissement "fun", que l'on consomme et que l'on oublie aussitôt à l'instar de Star Trek : Into Darkness ? Ou qu'un hommage déférent et frileux car paralysé par le gigantisme de ce qu'il admire ? Et que tout ce que l'on nous a annoncé jusqu'à présent tend pour l'instant à confirmer ces deux approches ? C'est vraiment cela que tout cinéphile qui a grandi avec les oeuvres de Lucas et de Spielberg se doit d'attendre avec impatience ? Doit-on se réjouir qu'en termes de grandes aventures spectaculaires au cinéma, on ne nous offrira jusqu'en 2020 rien d'autre que du (non)super-héros Marvel/D.C. et du Star Wars réchauffé ? Pendant ce temps, personne ne parle de Tomorrowland de Bird, tout comme personne ne s'était vraiment intéressé à la production de Edge of Tomorrow, d'Avatar et de Gravity. Et alors qu'un abject Iron Man 3 et qu'un pathétique World War Z cartonnent, seule une minorité défend un Pacific Rim, John Carter ou un Lone Ranger. Combien de Terminator Génésis et Jurassic World faudra-t-il pour que l'on se décide à convaincre - nous, spectateur - les producteurs de lâcher ces sublimes licences "d'un autre temps" pour inventer celles d'aujourd'hui ?

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(1) Ignacio Ramonet, "La Guerre des étoiles ou l'Amérique réconciliée avec sa technologie", Libération, n°1157, paru le 19 octobre 1977, (p.14)

(2) L'article de Rafik Djoumi, intitulé "Lucasfilm et Disney : la chute de la République" et publié sur le site "Capture Mag" le 5 novembre 2012, revient en détail sur la terrible symbolique et les immenses implications de cet accord.

(3) L'article "Le rachat de LucasFilm par Disney" publié sur le site "Starwars Universe" lors du dossier "STAR WARS VII - EN ATTENDANT LE RETOUR". Celui-ci revient précisément sur les détails de la transaction et les ambitions affichées par les deux partis.

(4) A peine 48h après la publication de mon article, Disney/Lucasfilm annonçait que l'excellent Rian Johnson (quelques-uns des meilleurs épisodes de Breaking Bad, Looper) écrira et réalisera l'épisode VIII, tout en fournissant un traitement détaillé pour l'épisode IX. Comme quoi, alors que je mettais en doute la démarche et les choix du studio Mickey, ce dernier se charge de me remettre à ma place.

(5) On peut prendre comme exemple la manière avec laquelle Abrams s'est échiné à masquer l'identité du méchant de Star Trek - Into Darkness interprété par Benedict Cumberbatch et qui avait été éventé des mois à l'avance par des "geeks" qui, réalisant lors de la sortie du film qu'ils avaient raison, exprimèrent un réel mécontentement envers le réalisateur qui avait persisté à leur mentir pour quelque chose d'absolument évident. Conscient de son goût exagéré pour le mystère à tout prix, Abrams en plaisanta même à dessein dans le cadre de la promo lors d'une émission de Conan O'Brien. Inutile de préciser qu'il s'est exactement passé ce que O'Brien et Abrams "moquent".

Voici la seconde partie de ce compte-rendu sur cette dernière édition du Festival de Deauville qui est consacrée aux films qui concourraient pour le Grand Prix. La première partie est disponible ici.

LA COMPETITION

LES AMANTS DU TEXAS (AIN’T THEM BODIES SAINTS)

Réalisé par David Lowery.

Bob (Casey Affleck) et Ruth (Rooney Mara) s’aiment, envers et contre tout. Et surtout contre la loi. Un jour, un braquage tourne mal et les deux amants sont pris dans une fusillade. Quand Bob est emmené par la police, Ruth a tout juste le temps de lui annoncer qu’elle est enceinte. Dès lors, Bob n’aura qu’une obsession : s’échapper de prison pour rejoindre sa femme et son enfant. Mais quand il y parvient quatre ans plus tard, le rêve correspond mal à la réalité…

Date de sortie : 18 septembre 2013.

C’était clairement le moment le plus attendu de la Compétition mais ce fut malheureusement l’un de ses plus décevants. Auréolé d’une aura particulière, les critiques américains l’ayant découvert ne tarissaient pas d’éloges à son sujet, le film faisait office de favori avant même sa projection. Mais après visionnage, le premier long métrage de David Lowery peine à laisser une marque indélébile dans l’esprit du spectateur. Il est assez difficile de déterminer ce qui a bien pu bouleverser à ce point les journalistes outre-Atlantique dans cette énième redite de Bonnie & Clyde filmée de manière naturaliste afin de se rapprocher du travail de Terrence Malick (La Balade Sauvage) ou du très beau film d’Andrew Dominik L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford dans lequel avait justement été révélé Casey Affleck. Si le long métrage dispose de son lot d’images magnifiques, Lowery étant parfaitement capable de capturer la beauté des paysages du Texas, cela ne suffit pas pour embarquer le spectateur. Il y a d’abord ce rythme lent et contemplatif qui finit par agacer tant cela n’apporte aucune contrepartie au public, à l’inverse d’un Malick qui s’en sert généralement pour nous embarquer dans un trip sensoriel vertigineux.

Cela pourrait demeurer acceptable si l’on était emporté par le souffle romanesque de cette intrigue. Mais c’est là où le bât blesse. Malgré l’interprétation assez forte de ses deux acteurs principaux, et particulièrement de Rooney Mara qui n’avait pas été aussi marquante depuis le Millenium de David Fincher il y a bientôt deux ans, le lien fort unissant les deux criminels n’est perceptible que par intermittences. Une faiblesse assez gênante puisque ce lien est supposé être le cœur du long métrage. Les Amants du Texas se rattrape davantage sur son aspect formel qui, à défaut d’être novateur, est plutôt honnête et plaisant. Çà et là, Lowery parvient même à composer quelques belles séquences, y compris une fusillade pas désagréable. Mais l’ensemble déçoit tant rien ne se démarque fondamentalement de ce qui a déjà été accompli de manière infiniment plus brillante ailleurs. Et le film se refuse à aborder frontalement des thématiques aussi denses que le regret, la culpabilité, le remord ou la rédemption. La bande originale parvient à sauver les meubles et accompagne parfois de manière judicieuse les scènes en épousant leur tempo lancinant. A l’instar du récent A la Merveille, un très beau livre d’images vide.

NOTE : 4.5 / 10

A SINGLE SHOT

Réalisé par David M. Rosenthal.

Dans la lumière bleu pâle de l’aube, John Moon (Sam Rockwell) quitte son mobile home avec son chien et son fusil. Après s’être frayé un chemin à travers les montagnes boisées sans tenir compte du panneau y interdisant la chasse et la pêche, il vise un cerf, le rate puis tire à nouveau. Peu de temps après, il trouve une jeune femme agonisant dans la boue avec, à ses côtés, une lettre et des liasses de billets. Mais alors, à partir de cet instant, qui est le chasseur et qui est la proie ?

Date de sortie inconnue.

De prime abord, on sera tenté de réduire le long métrage de Rosenthal à une relecture, forcément inférieure, du No Country For Old Men des frères Coen. A plus d’un titre, la relation entre les deux est évidente : héros de classe très modeste, bled et caravanes paumés dans une nature très sauvage, truands violents, scènes de suspense palpables, acharnement d’un méchant omnipotent… Mais Rosenthal y substitue une bande originale un peu trop présente, qui flirte régulièrement avec celle de Shining, tout en ayant une certaine tendance à monter exagérément le volume sonore au lieu de privilégier un silence plus immersif et moins manipulateur. Néanmoins, le réalisateur fait preuve d’un savoir-faire et d’une dextérité indéniable qui donnent l’occasion au spectateur de frémir sur son siège devant des séquences plutôt angoissantes. Mais A Single Shot n’est pas qu’un thriller ayant un synopsis tenant sur un post-it. C’est aussi, et peut-être avant tout, un drame sec particulièrement sombre suivant un héros taciturne, abandonné et hanté par le remord après avoir abattu quelqu’un par accident. Un peu comme dans l’excellent Insomnia de Christopher Nolan, quoique ce dernier y ajoutait une ambiguïté pour le moins intéressante.

Cette fois, l’innocence, ou du moins la bonne intention initiale du personnage principal est clairement établie. Si le film ne se lance pas trop sur le terrain de la culpabilité, si ce n’est par quelques apparitions fantomatiques qui sont loin d’être les moments les plus convaincants du long métrage, A Single Shot préfère s’attarder sur une ambiance paranoïaque franchement étouffante qui prend le héros, et le spectateur par la même occasion, à la gorge. Sur ce plan, le film fait presque un sans-faute tant on est tenu en haleine jusqu’à une conclusion malheureusement bâclée et un tantinet incohérente. Néanmoins, à l’image d’un certain nombre de films à petit budget forcément limités en termes d’ambitions formelles, le principal atout de A Single Shot se trouve du côté de son casting. Il y a d’abord la présence d’acteurs excellents trop souvent réduits par Hollywood à des seconds rôles comme Jeffrey Wright, Ted Levine, le toujours inquiétant Jason Isaac ou encore William H. Macy. Mais A Single Shot est avant tout un film à la gloire de Sam Rockwell (7 Psychopathes, Moon) qui est quasiment de tous les plans. Son regard habité et ténébreux est pour beaucoup dans l’impact (modéré) que ce film pessimiste et violent a sur son spectateur.

NOTE : 6 / 10

BREATHE IN

Réalisé par Drake Doremus.

L’été touche à sa fin. Keith Reynolds (Guy Pearce), un professeur de musique, songe avec nostalgie à son passé d’artiste dans les rues de New York. Au contraire de sa femme, Megan (Amy Ryan), et de leur fille, Lauren (Mackenzie Davis), occupées de leur côté à préparer la prochaine rentrée en terminale de cette dernière, Keith trouve pour unique échappatoire les soirées où il peut jouer du violoncelle dans un prestigieux orchestre symphonique de Manhattan. Lorsque Megan décide d’accueillir chez eux Sophie (Felicity Jones), une lycéenne anglaise, dans le cadre d’un programme d’échange scolaire, Keith voit resurgir au contact de la jeune fille ce qu’il avait réussi jusqu’à présent à tenir refoulé…

Date de sortie inconnue.

Avec ce film de Drake Doremus, on reste encore dans le prévisible et dans le classicisme le plus total. Néanmoins, il s’agit là d’un classicisme impeccablement construit et assez efficace. La trame de Breathe In est quasiment éculée mais elle est traitée avec suffisamment d’intelligence pour permettre à la recette éprouvée de continuer à fonctionner comme à ses débuts. A l’inverse d’un Very Good Girls, le long métrage de Doremus cède cependant occasionnellement à un excès de conformisme et de morale bien-pensante. Là où le film de Foner ne montrait pas la possible relation entre le personnage adolescent de Dakota Fanning et l’adulte incarné par Peter Sarsgaard comme quelque chose de répréhensible, Doremus semble gêné par la différence d’âge entre les deux amoureux transis. De fait, la conclusion semi-pessimiste, où le destin se charge de rétablir l’ordre au sein de la famille selon des standards tout américains, ne surprendra pas grand monde. Malgré cela, le réalisateur parvient à mettre joliment en scène une belle histoire d’amour chaste entre un musicien refoulé et quadragénaire avec une adolescente pianiste dont le talent incroyable lui ramène brutalement tout ce qu’il avait mis de côté pour le « bien » de sa femme et de sa fille unique.

Sans jamais tomber dans l’excès d’effets lacrymaux et de pathos déplacé, Doremus parvient à élaborer de grands moments de grâce absolument bouleversants. A l’inverse des Amants du Texas qui traitait aussi d’une histoire d’amour tragique et impossible, Breathe In parvient à rendre palpable la tension érotique et le lien indéfectible qui unissent les deux protagonistes principaux. A plusieurs reprises, on croit même revoir l’ombre du Stoker de Park Chan-wook lors de séquences sexuelles métaphoriques (la scène de relaxation avec le « breathe in » du titre, l’adolescente qui se déchaine au piano sous le regard de son mentor-amant). Tous ces passages sensuels et émouvants, tantôt joyeux, tantôt mélancoliques, sont avant tout relevés par la très belle interprétation d’un Guy Pearce ayant enfin décidé qu’il était temps pour lui de revenir dans de bons longs métrages après les atroces Lock-Out, Prometheus et Iron Man 3. Ses partenaires ne déméritent pourtant pas, en particulier Felicity Jones dont la beauté mystérieuse irradie l’écran et rend parfaitement compréhensible l’émoi du personnage de Pearce en sa présence. La mise en scène de Doremus, sans oser accomplir des prouesses esthétiques novatrices ou étourdissantes, fait proprement le job en enjolivant un scénario sans grande audace mais minutieusement structuré.

NOTE : 6.5 / 10

ALL IS LOST

Réalisé par J.C. Chandor.

Au cours d’un voyage en solitaire à travers l’océan Indien, un homme (Robert Redford) découvre à son réveil que la coque de son voilier de douze mètres a été percée lors d’une collision avec un container flottant à la dérive. Privé de sa radio et de ses instruments de navigation, l’homme se laisse prendre dans une violente tempête dont il survit de justesse malgré les réparations, son génie marin et une force physique défiant les années. Mais le soleil implacable, la menace des requins autour de lui et l’épuisement de ses maigres réserves obligent pourtant ce marin aguerri à regarder la mort en face…

Date de sortie : 11 décembre 2013.

Le nouveau film de J.C. Chandor était assez attendu lors de ce Festival de Deauville, et ce pour plusieurs raisons. D’abord pour l’icône Robert Redford, acteur-réalisateur-star d’une classe folle dont la filmographie incroyable en laisse plus d’un sur le carreau (Butch Cassidy et le Kid, L’Arnaque, Les Hommes du Président, Les Trois Jours du Condor, Out of Africa, L’Homme qui murmurait à l’oreille des chevaux). L’attente était d’autant plus fébrile qu’il se retrouvait seul à l’écran pendant une heure et demie dans un rôle nécessitant une certaine carrure et avec lequel il n’avait qu’une quinzaine de répliques pour expliciter ses sentiments. L’autre raison est J.C. Chandor lui-même, réalisateur-scénariste de l’intéressant Margin Call qui avait été nommé aux oscars. Son second film est l’exact opposé de son premier qui était un long métrage choral assez bavard. Néanmoins, les deux films se rejoignent en montrant un individu qui voit son « environnement » partir en fumée. Dans Margin Call, les traders et l’humanité faisaient face à l’effondrement du monde de la finance ; dans All is Lost, un marin se retrouve coupé du reste de la civilisation et doit affronter des forces, ici naturelles, qui le dépassent. L’audace du film vient d’abord de son parti pris : un unique personnage et un seul décor, ce qui limite tout moyen de communication. La transmission de l’information ne peut se faire que par l’image et par une mise en scène qui doit être pointilleuse. Occasionnellement, All is Lost cède sur son principe lors d’un ou de deux monologues légèrement superflus.

Il y a deux grands gagnants avec ce « survival ». Le plus évident est Robert Redford qui revient en grâce après un affaiblissement de sa carrière d’acteur (il a accepté un second rôle dans le deuxième épisode de Captain America) et de réalisateur (ces trois derniers longs métrages ont été des fours aux USA et en France). Sa présence imposante permet au spectateur de rester captivé par cette histoire qui aurait vite pu tourner en rond en abusant de ficelles scénaristiques éculées ou exagérées. Si la majorité de son jeu se fait en intériorité, il sait à quel moment se lâcher pour montrer les faiblesses de son personnage lorsque son assurance et sa combativité tendent à se fissurer. A plusieurs reprises, son chemin de croix désespéré renvoie à quelques grands récits mythiques comme « Le Vieil Homme et la Mer ». Le gagnant le moins évident, mais qui devrait pourtant en retirer le plus de bénéfices, est Chandor lui-même. Son histoire tient en premier lieu grâce à ses grandes capacités de narrateur et de metteur en scène. Si Margin Call pouvait avoir tendance à s’éparpiller et à trop se reposer sur d’interminables échanges de dialogues surexplicatifs, All is Lost lui permet de gagner en autonomie et en audace.

Chandor orchestre ainsi des passages d’une rare tension que la caméra filme avec un brio et un semblant de réalisme régulièrement admirable : la longue séquence de la tempête tient en haleine grâce à la précision de ses cadrages, de son montage et de ses effets spéciaux étonnement réussis qui renvoient aux plus beaux déchainements climatiques du chef d’œuvre de Peter Weir Master and Commander. Le long métrage est garni de plans, notamment sous-marins, dont la beauté sidère. Le résultat donne un film de type paradoxal : un « huis clos » en plein air. Mais comme tout « survival » abouti, la qualité de ce All is Lost ne réside pas dans sa spectacularité (bien qu’il soit régulièrement spectaculaire) mais dans sa capacité à représenter cinématographiquement la fragilité de la condition humaine. A l’instar du ténébreux Territoire des Loups de Joe Carnahan l’année précédente, All is Lost parvient à ce que ce sentiment d’impuissance, ressenti par un être aussi infime que l’homme envers les forces démesurées d’une nature sans pitié et l’immensité quasi-infernale de son univers, nous prenne à la gorge. Un bon avant-gout du prochain Gravity d’Alfonso Cuaron avec lequel il devrait partager plus d’un point commun.

NOTE : 7 / 10

THE RETRIEVAL

Réalisé par Chris Eska.

En marge de la guerre de Sécession, un jeune garçon (Ashton Sanders) est envoyé au nord du pays par un gang de chasseurs de primes afin de retrouver la trace d’un homme recherché par la justice (Tishuan Scott).

Date de sortie inconnue.

Dans la compétition du Festival de Deauville, les genres sont rarement variés. La très grande majorité est constituée de drames tandis que quelques comédies (dramatiques) viennent sporadiquement égailler ce défilé. Bien qu’ils s’agissent souvent de longs métrages franchement moins misérabilistes que les œuvres putassières et faussement provocatrices que l’on présente à Cannes, on ne peut nier que le cinéma américain à petit budget n’aime rien tant qu’à représenter une réalité plus ou moins terre-à-terre. L’année précédente, seul le très beau Les Bêtes du Sud Sauvage de Benh Zeitlin (qui avait remporté le Grand Prix et le Prix du public) avait osé s’aventurer du côté de la fable merveilleuse. Cette année, The Retrieval est l’une de ces exceptions au sein d’une compétition un tantinet plus ouverte au thriller. Parce que c’est lui-aussi un western avec des Noirs pour héros, on pourrait le voir à tort comme la version « indé » de Django Unchained. Ce serait cependant une affiliation plutôt absurde, bien qu’ils aient effectivement quelques points communs comme leur récit initiatique qui sous-tendent toute leur histoire.

L’une des différences, et non des moindres, qui est notable avec le long métrage de Quentin Tarantino est que The Retrieval n’est pas un film accordant une prédominance aux dialogues ciselés. Sans être silencieux comme un film de Sergio Leone, le film d’Eska préfère privilégier les instants de calme, à la fois contemplatifs et souvent très premier degré. Il n’y a presque aucune touche d’humour hormis quelques répliques « bad-ass » magnifiquement balancées par le personnage charismatique, mystérieux et quasi-mythologique incarné par Tishuan Scott. Ce dernier exerce une immense fascination auprès du jeune héros qui aime évidemment à le considérer comme un père de substitution après avoir été abandonné par son paternel naturel. La violence y est aussi modérée et moins grand guignolesque que chez Tarantino. Le véritable écart entre ces deux films tient toutefois au traitement de la question noire : paradoxalement, le « blockbuster » s’y montre plus frondeur et rentre-dedans que le film « indé » qui l’écarte régulièrement. Les héros auraient pu être blancs que cela n’aurait pas altéré grand-chose à l’intrigue.

The Retrieval est un mélange entre le western, le film d’aventure où le drame transparait avant tout par le dilemme poursuivant le jeune garçon (doit-il révéler le piège à son ami au risque de mourir à son tour ?) ainsi que par le passé de l’homme recherché dont l’histoire d’amour avec la femme de sa vie a tourné au vinaigre. Au final, le film récent qui pourrait le plus ressembler à The Retrieval est vraisemblablement Mud. Au même titre que le film de Nichols, le long métrage d’Eska est avant tout une œuvre de mecs pour les mecs. Un beau film sur l’amitié masculine, sur le rapport conflictuel entre un fils et son père (même de substitution), sur la fascination pour un mentor représentant cette incarnation de l’homme intègre et courageux que l’on souhaiterait devenir une fois adulte, sur l’entente impossible avec le sexe féminin,… Si The Retrieval ne peut se permettre de se lancer dans de grandes scènes où l’ampleur de la reconstitution historique terrasserait le spectateur (l’unique bataille étant clairement d’une échelle « mineure »), il parvient à retourner son désavantage financier en resserrant son histoire sur deux fil conducteur : le conflit intérieur qui dévore le jeune garçon et sa sortie de l’adolescence pour entrer dans un monde cruel où il saura survivre tout en assumant ses choix, aussi dangereux soient-ils.

NOTE : 7.5 / 10

NIGHT MOVES

Réalisé par Kelly Reichardt.

Trois écologistes radicaux, Josh (Jesse Eisenberg), Dena (Dakota Fanning) et Harmon (Peter Sarsgaard), décident de mener ensemble l’action la plus spectaculaire de leurs vies : l’explosion d’un barrage hydroélectrique, qui représente pour eux tout ce qu’ils méprisent, le symbole même d’une culture industrielle consommatrice d’énergies et destructrice des ressources naturelles...

Date de sortie inconnue.

Le nouveau film de Kelly Reichardt (le western La Dernière Piste avec Michelle Williams et Paul Dano) est celui qui a été récompensé par le Grand Prix. Il était à juste titre l’un des longs métrages les plus envoutants et aboutis de la compétition. Si le casting y est des plus convaincants, on y retrouve d’ailleurs Dakota Fanning et Peter Sarsgaard qui partageaient aussi l’affiche du très beau Very Good Girls, Night Moves est avant tout un film de Jesse Eisenberg. L’acteur qui avait livré une interprétation sidérante de Mark Zuckerberg dans le chef d’œuvre de David Fincher The Social Network s’était un peu perdu entre des films indépendants jamais visibles et de grosses productions indigentes (30 Minutes Maximum, Insaisissables). Night Moves marque son retour dans un premier rôle digne de son talent. Même si l’ombre de Zuckerberg le poursuivra jusqu’à la fin de sa carrière, il parvient à se démarquer dans ce rôle d’écologiste extrémiste qui sombre dans la paranoïa une fois que le remord et la culpabilité l’ont assaillis après son attentat à l’encontre d’un barrage.

La séquence voyant justement l’exécution de cet acte criminel, qui se trouve à un moment pivot de l’intrigue, est clairement l’un des plus beaux moments cinématographiques de ce Festival. Un morceau de tension rondement mené de près d’une vingtaine minutes ponctué d’un minimum de dialogues. Car contrairement à certains autres films de la compétition où elle avait tendance à s’effacer devant des acteurs portés par la grâce, la mise en scène ne se laisse pas mettre de côté. Reichardt avait déjà montré qu’elle était loin d’être un manche dans ce domaine et parvient à créer une ambiance oppressante et lyrique qui enveloppe adéquatement son scénario passionnant. Quelques-uns des plus beaux plans de l’année se trouvent dans Night Moves tant leur composition et leurs couleurs lorgnent vers la peinture : la lente remontée de la rivière en bateau vers le barrage, l’unique plan de grue du film pour symboliser la culpabilité qui assaillit l’antihéros lorsqu’il découvre la terrible conséquence de son acte rebelle, les phares d’une voiture qui prennent l’apparence d’une paire d’yeux malveillants épiant l’éco-terroriste,…

Impeccablement joué, Dakota Fanning y fait même preuve de davantage de maturité que dans Very Good Girls où elle était déjà très convaincante, et magnifiquement filmé, Night Moves ne laisse pas de côté son histoire en parvenant à faire ressentir une angoisse sourde ainsi que la position inconfortable des trois personnages principaux alors que l’étau se resserre autour d’eux. Cela donne un thriller anxiogène qui n’hésite pas à aborder directement des questionnements pour le moins complexes : peut-on justifier un acte criminel s’il part d’une bonne intention ? Quelle est la frontière entre la légalité et l’illégalité ? La défense d’une bonne cause doit-elle passer outre les lois pour être efficace ? Et si oui, cela ne peut-il pas entacher le bienfondé de ce combat ? Cette histoire très pessimiste est enfin révélatrice sur la façon dont la part d’ombre qui se terre au fond de nous-même a une certaine tendance à faire prévaloir l’instinct de survie (éviter le réchauffement climatique, éviter la prison) sur la morale et la vie d’autrui.

NOTE : 8 / 10

WE ARE WHAT WE ARE

Réalisé par Jim Mickle.

Les Parker sont connus dans le village pour leur discrétion et leur isolement. Derrière les portes closes de sa maison, le patriarche Frank (Bill Sage) dirige sa famille avec rigueur et fermeté. Après le décès brutal de leur mère, Iris (Ambyr Childers) et Rose (Julia Garner), les deux adolescentes Parker, vont devoir s’occuper de leur jeune frère, Rory (Jack Gore). Face à de nouvelles responsabilités, elles n’ont d’autre choix que de se soumettre à l’autorité d’un père déterminé à perpétuer à tout prix une tradition familiale des plus macabres. Quand une tempête torrentielle s’abat sur la région, les fleuves débordent et les autorités locales découvrent peu à peu certains indices qui les conduisent immanquablement vers la famille Parker et son terrible secret.

Date de sortie inconnue.

On en arrive enfin au choc de cette compétition. Sa première projection dans une pleine salle de mille six cents places a été pour le moins très houleuse : une bonne moitié a copieusement hué le long métrage lors de son dernier quart d’heure, au moins une centaine de personnes se sont ruées précipitamment vers la sortie pour déverser leur colère vers les caméras des journalistes avec un air outré, et seul un petit quart du public restant tenta d’applaudir et de soutenir un cinéaste hilare qui découvrait l’ouverture d’esprit des spectateurs français. Dans cette ambiance de stade de foot surchauffé s’achevait le conte horrifique de Mickle, « remake » d’un film mexicain méconnu parait-il beaucoup plus gore que sa version américaine. Il n’en fallait pas plus pour que la presse et les sites de cinéma sur Internet affublent l’impressionnant We Are What We Are du sobriquet de « grand scandale de Deauville ». Sans rien retirer aux très nombreuses qualités de ce long métrage, il faut avouer que le film ne peut choquer que les vieux bourgeois n’ayant pas vu un seul thriller fantastique ou horrifique de leur vie : on n’ose imaginer les réactions si L’Exorciste ou Taxi Driver avaient dû être présenté pour la première fois à cette occasion !

Peu importe et passons outre la surexcitation (pour le coup scandaleuse) de spectateurs qui ont toujours dû regarder avec condescendance le cinéma de genre. We Are What We Are n’a pas gagné le Prix du public, mais que vaut-il lorsque le public est d’un tel niveau ? Sans être révolutionnaire, le long métrage de Mickle est une œuvre parfaitement élaborée qui sait jongler jusqu’au bout entre une ambiance apocalyptique d’une noirceur phénoménale (la pluie continue qui fait office de punition divine lavant les péchés des personnages principaux), une imagerie gothique fantastique (le père étant littéralement filmé comme un ogre de conte dont la cruauté et la férocité rappellent celles du sinistre Barbe Bleue ou du géant dans le « Petit Poucet »), une violence graphique que ne renierait pas l’actuel cinéma espagnol et une ironie macabre. S’il m’est difficile de juger si la version de Mickle est supérieure au long métrage original, on peut au moins certifier que le cinéaste a su reprendre cette histoire pour l’incorporer dans un contexte américain en l’axant sur l’extrémisme religieux, faisant ainsi du film une parabole sur l’embrigadement sectaire et idéologique.

Tout le film suit le combat de deux jeunes filles qui refusent les traditions morbides que leur père a hérité de ses lointains ancêtres. Le cannibalisme, puisque c’est de cela dont il est question (on l’apprend à mi-parcours), apparait alors comme une malédiction, une maladie quasi-génétique qui se transmet de génération en génération. Les deux jolies enfants blondes, toujours vêtues de robes d’un blanc immaculée, parviendront-elles à échapper aux crocs de leur ogre de père ? On pourra sans problème affilier le long métrage aux contes de Perrault et de Grimm dont on oublie trop souvent la charge subversive et l’insidieuse violence physique ou psychologiques. We Are What We Are est aussi la plus percutante variation sur le cannibalisme faite depuis l’excellent et injustement méconnu Vorace avec Guy Pearce et Robert Carlyle. Le scénario très intelligent et la mise en scène inspirée parviennent à enchainer très efficacement les coups de théâtre choquants, les scènes de suspense insoutenables et les passages plus sensibles montrant le désarroi des deux adolescentes qui tentent de s’extirper de ce carcan monstrueux que leur impose leur père.

A ce titre, et une fois n’est pas coutume, le casting est impeccable. Bravo à vous si vous parvenez à y reconnaitre Kelly McGillis, l’inoubliable et sexy institutrice blonde de Top Gun ! Si Bill Sage compose un monstre humain abominable comme on en n’avait plus vu depuis Sergio Lopez dans le sublime Labyrinthe de Pan, un autre conte violent qui suivait une adolescente confrontée à une série de créatures dont la plus atroce se révélait être le colonel franquiste dont sa mère s’entichait, ce sont les deux jeunes actrices qui se partagent la part du lion. On retiendra particulièrement la fascinante et troublante Julia Garner que l’on pouvait déjà voir en compétition à Deauville l’année d’avant dans le non moins étrange Eletrick Children. Elles parviennent toutes les deux à distiller un savant mélange entre une fragilité toute féminine et une dureté qui contraste diamétralement. Si le long métrage prend son temps pour installer une atmosphère oppressante et tordue, c’est sa conclusion qui le fait passer dans une autre stratosphère. Une fin visiblement polémique, pourtant bien moins provocatrice que terriblement logique puisqu’elle voit le résultat de ce que Mickle annonçait depuis le départ : l’embrigadement, la régression vers la bestialité, la transmission familiale, etc… Le tout dans une radicalité et une barbarie tétanisante qui apparait comme le plus gros coup de folie suicidaire, mais absolument inoubliable, de cette compétition. Guillermo Del Toro va adorer !

NOTE : 8.5 / 10

C’est une question qui agite l’actualité cinématographique ces derniers jours tant les annonces, parfois contradictoires, se sont succédées au sujet du metteur en scène de ce vingt-quatrième épisode de James Bond dans lequel devrait encore jouer Daniel Craig. Si la réponse pourrait ne pas être encore tranchée dans les prochaines semaines, rien ne nous empêche de faire un tour d’horizon des postulants plus ou moins sérieux et avérés pour le poste. Bond 24 ne pourra pas arriver avant au moins l’automne 2014 ; la date la plus probable étant même une sortie courant octobre-novembre 2015.

LE PLUS DESIRE

Sam Mendes : C’est pour l’instant le choix le plus probable. Et le fait que les producteurs de la série le harcèlent littéralement n’y est pas pour rien. Le réalisateur oscarisé d’American Beauty, des Sentiers de la Perdition, de Jarhead et des Noces Rebelles n’est pas étranger à James Bond puisque c’est lui qui a mis en scène le dernier épisode, SkyFall. Et dire que ce dernier a été une réussite et qu’il a été très bien reçu relèverait de l’euphémisme. Avec son casting et son équipe de rêve (dont le chef opérateur Roger Deakins qui n’est pas pour rien dans la réussite du long métrage puisqu’il livrait l’une des plus belles photographies du cinéma d’action), Mendes élabora un épisode de haut standing qui fut le premier de la franchise à dépasser la barre du milliard de dollars de recettes au box-office mondial. Il est donc logique que les producteurs essayent de l’appâter à nouveau car on ne change pas une équipe qui gagne, son retour impliquant probablement celui de Deakins et du compositeur Thomas Newman. Néanmoins, Mendes hésite encore à signer. S’il ne souhaite pas quitter l’aventure, il a avoué être un peu « malade » à l’idée de directement rempiler pour trois années de suite. D’autant plus qu’il est occupé par d’autres projets, dont une adaptation théâtrale de « Charlie et la chocolaterie ». Mais il a récemment reconnu qu’il envisageait de nouveau à reprendre son siège de réalisateur. Une position stressante puisqu’il aura la pression de faire aussi bien, sinon mieux, que SkyFall. Ça ne sera pas une mince affaire. Ayant fait ses preuves, on aura du mal à critiquer ce choix, même si l’on peut lui préférer un changement de tonalité qu’impliquerait un nouveau cinéaste.

LES AUTRES ANGLAIS

Christopher Nolan : Le metteur en scène de The Dark Knight, d’Inception et du Prestige réalisera tôt ou tard un James Bond. C’est inéluctable tant l’influence de la franchise est forte dans ses derniers films par le biais de citations plus ou moins évidentes. Il a déjà commencé les pourparlers avec les producteurs afin de prendre temporairement les rênes de la franchise. Et ceux-ci ne trouveraient rien à redire : il est anglais (la nationalité est toujours prédominante dans le choix du metteur en scène), il est aimé de la critique, il est adoré par le public, et il a un style bien à lui. L’ennui est double en ce qui concerne Bond 24. Nolan a d’abord d’autres obligations en ce moment. Cet automne, il commencera le tournage de l’épopée de science-fiction Interstellar, prévu à l’origine pour Spielberg, avec Matthew McConaughey qui voyagera dans d’autres dimensions à travers des trous noirs. Cela impliquerait que Bond 24 ne sortent pas avant fin 2015, au mieux, dans le cas hautement improbable que Nolan enchaine directement entre le tournage d’Interstellar et celui du James Bond. L’autre ennui est que, comme tout auteur exigeant, Nolan veut amener à cette occasion son équipe habituelle et souhaite écrire le scénario. Il souhaiterait aussi changer d’acteur afin de faire un nouveau Bond Begins lui donnant les coudées franches pour remodeler l’univers de la franchise à son image. Avec probablement Michael Caine en méchant et Anne Hathaway/Marion Cotillard en Bond Girls. On en salive d’avance, même si la crainte d’une redite avec The Dark Knight et Inception est forte tant Nolan y avait déjà repris les codes « bondiens ». Et pas sûr que son épisode brillerait par sa sensualité, son humour et son exotisme.

Guy Ritchie : Le mieux placé selon les « bookmakers » anglais. Malléable, sans style, mais « cool » (un sous-Tarantino), l’ex de Madonna n’est en rien un grand cinéaste et son choix serait regrettable mais pas surprenant. Il a réalisé deux relectures modernes (et peu mémorables) de Sherlock Holmes avec le duo Robert Downey Jr./Jude Law qui ont remporté un certain succès. Son nom attirerait un casting sans nul doute glamour. De plus, le bonhomme patine avec son film d’espionnage The Man from U.N.C.L.E., qu’il a repris au nouvellement retraité Steven Soderbergh. Tom Cruise devait y jouer le rôle principal mais il vient de faire défaut pour tourner Mission Impossible 5 (il pourrait être remplacé par le nouveau Superman, Henry Cavill… qui faillit être James Bond lors du casting de Casino Royale). L’agenda de Ritchie peut donc se libérer. Pas sûr qu’il faille s’en réjouir.

Matthew Vaughn : On pourrait le voir comme l’inévitable de la période Daniel Craig. C’est en effet ce cinéaste qui révéla l’acteur sur la scène britannique avec le fantastique film de gangster « scorseséen » Layer Cake. Un premier rôle de premier plan qui permit à Craig d’aller chez Spielberg pour Munich et de coiffer au poteau Clive Owen en devenant le nouveau James Bond. Depuis, Vaughn a réalisé un chouette film de super-héros intitulé Kick-ass, adapté du « comic book » de Mark Millar, et le meilleur épisode de X-men à ce jour avec le très « bondien » X-men le commencement. Il a aussi raté de peu la possibilité de mettre en scène le prochain Star Wars au profit du plus consensuel J.J. Abrams. Il travaille actuellement sur le projet d’adaptation d’un autre « comic book » de Millar, plus centré sur l’espionnage et doté d’un humour très « british », intitulé The Secret Service. De là à passer dans le monde de Fleming, il ne pourrait y avoir qu’un pas. Nul doute que Craig tachera de l’approcher et de plaider en sa faveur si le jeu de chaises musicales venait à s’éterniser. Et Vaughn ne semble pas très enclin à refuser une telle proposition.

David Yates : Ce réalisateur est connu pour deux faits de gloire en Angleterre. D’abord pour avoir dirigé la série « Jeux de pouvoir », qui fut ensuite l’objet d’un « remake » américain par l’écossais Kevin MacDonald avec Ben Affleck et Russell Crowe. Ensuite pour avoir réalisé toute la seconde moitié de la série Harry Potter au cinéma (très inférieure qualitativement parlant à la première moitié). S’il a prouvé son aptitude à gérer les gros budgets, il a aussi fait montre d’une absence totale de génie. Mou, ce qui l’a amené à être conservé par les producteurs d’Harry Potter alors que ceux-ci proclamaient auparavant vouloir un réalisateur différent par épisode, les détenteurs de 007 pourraient le choisir pour garder le contrôle de leur franchise. D’autant plus que Yates galère à enchainer sur l’après-Potter avec l’abandon successif de son projet sur Al Capone avec Tom Hardy, son adaptation du « Fleau » de Stephen King, depuis reprise par Ben Affleck, et son drame avec Emma Watson qui s’est vu départir de son actrice principale,…

Tom Hooper : Celui-ci sera approché même s’il est peu probable qu’il soit intéressé. Les producteurs de James Bond, persistant dans cette politique d’un réalisateur anglais à tout prix et peu importe sa médiocrité (sa nationalité suffisant soi-disant à lui faire comprendre ce qu’est 007), ne pourront pas faire l’impasse sur le réalisateur oscarisé du surestimé Le Discours d’un roi. Adepte de la courte-focale et du gros plan, et par extension du manque de rythme et d’audace, Hooper a prouvé son aptitude à s’atteler à de grands sujets avec des films de grandes ampleurs. Cela a donné l’atroce comédie musicale Les Misérables qui parvint miraculeusement jusqu’aux oscars. Peut-être qu’un « blockbuster » comme Bond 24 redorerait son blason terni par cet échec artistique et critique. Pas sûr que la franchise ait besoin d’un si mauvais réalisateur après s’être enquillée cinquante années de « yes men ».

Danny Boyle : Candidat qui aurait pu être très sérieux s’il ne s’était pas échiné à répéter qu’il ne le voulait pas. Approché dès qu’il reçut son oscar pour Slumdog millionaire, Boyle s’est souvent dit flatté mais trop angoissé par la complexité d’un film de studio. Non pas que le bonhomme n’ait pas l’aptitude nécessaire pour s’atteler à un film d’espionnage (il a fait de la S.F., du drame, du thriller, de la comédie, du film d’horreur,…). Mais s’il devait en faire un, ce serait avec un petit budget. Bien qu’il ne ferme pas la porte à toute éventualité (il s’est même amusé à faire ce fameux « clip » lors de la Cérémonie d’ouverture des J.O. de Londres voyant le saut en parachute de 007 avec la reine d’Angleterre), il est peu probable qu’il cède. On pourra en être soulagé, sa filmographie étant loin d’être parfaite, mais on ne peut nier qu’un épisode réalisé par Boyle aurait été au minimum singulier.

Joe Wright : Etonnement, ce nom n’est jamais évoqué alors qu’il apparait comme l’un des plus évidents et surtout l’un des plus souhaitables. Outre le fait qu’il soit le réalisateur anglais le plus talentueux du moment, qu’il sache gérer des films conséquents et que ceux-ci aient été plusieurs fois nommés aux oscars, Wright s’est à la fois montré brillant formaliste et grand directeur d’acteurs. S’il est d’abord connu pour ses magnifiques films à costumes (Orgueil et Préjugés, Anna Karenine et le somptueux Reviens-moi), il a aussi montré son aptitude à faire un film d’action avec Hanna, un mélange entre drame poignant, objet expérimental et divertissement jouissif très inspiré (la baston d’Eric Bana filmée en plan séquence). On peut toujours rêver que les producteurs retrouvent leur bon sens et qu’ils lui confient les manettes d’un épisode (Wright étant un bon ami de Benedict Cumberbatch, cela pourrait amener ce dernier à incarner le « bad guy » comme le sous-entendait certaines rumeurs).

LA CINQUIEME ROUE :

Martin Campbell : Il n’est toujours rappelé qu’en dernier recours et sa filmographie est plus qu’aléatoire en termes de qualité. Mais quand il s’agit de James Bond, Martin Campbell semble toujours très inspiré. S’il s’est planté avec des navets comme Green Lantern, Zorro 2 ou encore Hors de contrôle, il s’est toujours montré étonnement convaincant lorsqu’il dirigeait 007. Après les ennuis juridiques qui faillirent couler la licence après Permis de tuer, c’est Campbell qui fut appelé pour remodeler le personnage et le faire entrer dans un monde post-Guerre Froide. Cela donna GoldenEye qui initia brillamment une période Pierce Brosnan qui fut surtout décevante. Quand l’après-Meurs un autre jour se révéla compliqué, c’est lui qui fut appelé pour élaborer une forme de « reboot » de 007 coïncidant avec la première venue de Daniel Craig dans le smoking de l’agent secret. Le résultat, longtemps raillé avant sa sortie, fut une grande claque qui s’est imposée comme l’un des meilleurs épisodes de la saga. Si Campbell ne sera jamais un grand réalisateur, il est un artisan capable pouvant tirer un bon script vers le haut. Du travail propre et sans bavure. Une caution au minimum rassurante.

LES CHOIX IMPROBABLES

Nicolas Winding Refn : Le nom suivant est un rumeur qui a surgi récemment lors d’une interview à Cannes voyant le réalisateur de Drive et d’Only God Forgives devenir mutique lorsqu’un journaliste lui annonça qu’il avait lu quelque part qu’il pouvait être en lice pour le poste de metteur en scène sur Bond 24. Si l’arrivée d’un cinéaste aussi particulier que Refn dans la franchise serait une première, il faut la prendre avec beaucoup de pincettes. D’abord parce que Refn n’a visiblement pas très envie d’aller faire un tour dans la grosse production : son « remake » de Logan’s Run patine, son film sur Wonder Woman est au point mort et Only God Forgives détruit sciemment ce que Drive avait pu lui apporter commercialement parlant. Si le choix du cinéaste n’est pas absurde quant à la capacité de ce dernier à filmer les fusillades, les scènes de bagarre et de tension (d’autant plus qu’il s’intéresse en ce moment à l’accomplissement héroïque de figures charismatiques), il devrait considérablement brider sa liberté artistique. Ce que Refn ne concèdera en aucun cas. On peut néanmoins rêver pour deux raisons. Il est très ami avec Mads Mikkelsen, immortel Le Chiffre dans Casino Royale qu’il contribua à révéler. On peut s’imaginer que l’acteur n’a pas tarit d’éloges au sujet de Refn auprès des détenteurs du personnage de 007. Mais la seconde raison est plus forte : Refn travaille actuellement sur une série télévisée, « Barbarella », avec les scénaristes Robert Wide et Neil Purvis qui avaient auparavant écrit tous les scripts de James Bond depuis Demain ne meurt jamais à SkyFall.

Shane Black : Celui-ci est un choix à la fois saugrenu et malgré tout complètement évident. Scénariste de L’Arme Fatale, du Dernier Samaritain et de Last Action Hero, le réalisateur du cultissime Kiss Kiss Bang Bang était tombé en disgrâce avant de revenir dominer le box-office mondial avec Iron Man 3 et son milliard de dollars de recettes. Sachant que Black fait de nombreuses références à James Bond, notamment dans son dernier film, il n’est pas surprenant qu’il soit appelé malgré sa nationalité américaine. Mais il y a plusieurs « hics ». Black est avant tout un brillant scénariste et il n’écrira pas Bond 24, le script étant élaboré par John Logan. Ses aptitudes de cinéaste laissent davantage à désirer. De plus, le succès d’Iron Man 3 lui a permis de lancer son projet d’adaptation de Doc Savage qu’il porte depuis longtemps. Pas sûr qu’il concède à le repousser encore une fois maintenant qu’il a toutes les cartes en main. Enfin, Iron Man 3 était pour beaucoup une déception tant le cynisme et le second degré annihilaient constamment les enjeux de son récit. Black apparait davantage en accord avec la période « cool » et référentielle d’un Roger Moore qu’avec celle, plus dramatique et violente, d’un Daniel Craig (bien que l’alliance des deux styles pourrait potentiellement être intéressante en plus de ne pas être complètement antinomique). Et il n’est pas certain que les fans se réjouiront de voir le parcours rédempteur d’un James Bond alcoolique, accompagné d’un Felix Leiter noir, au cours d’une aventure à base d’hélicoptères et de réveillons de Noël.

Ang Lee : Ce dernier est très étonnant mais il a été annoncé dans la « wish-list » d’Eon qui produit la série. Le cinéaste taïwanais deux fois oscarisé a déjà fait preuve d’un éclectisme admirable (Tigre et Dragon, la romance gay Brokeback Mountain, le drame historico-érotique Lust Caution, le film d’aventure onirique L’Odyssée de Pi). Capable de tirer le meilleur de ses acteurs, sachant maitriser ses récits et n’ayant pas peur de s’atteler à des projets de grande ampleur nécessitant des effets spéciaux novateurs, Ang Lee remplit bon nombre de qualités pouvant faire de son James Bond un épisode somptueux (si Lee est à ce moment-là plus proche de Pi que de Hulk ou de Hotel Woodstock). Mais il est peu probable qu’il délaisse ses péplums épiques en préparation, Cleopatra et le film sur Moïse Gods and Kings que Spielberg devait réaliser, pour une aventure de 007.

Au final, ce ne sera peut-être aucun de ceux-là. Dans ce cas, quel autre cinéaste pourrait décrocher le poste ? Lequel est préférable selon vous ? Et pourquoi ?

Le Festival du film américain de Deauville avait 38 ans cette année. Et pour cette nouvelle édition, le festival a d’abord voulu rendre hommage à l’un des plus fameux acteurs américains qui fut découvert aux débuts des années 70 par Martin Scorsese. Non, il ne s’agit pas de Robert de Niro mais bien de son alter ego « tranquille » dans Mean Streets (1973) : Harvey Keitel. L’acteur aux airs de bad boy a traversé quarante ans de cinéma avec quelques unes des œuvres les plus importantes de ces dernières décennies. Outre Mean Street, Taxi Driver (1976) et La Dernière Tentation du Christ (1988) réalisé par son cinéaste fétiche, on compte parmi sa filmographie l’absolument somptueux Les Duellistes de Ridley Scott. Réalisé en 1977, le premier film du metteur en scène britannique constitue l’un des plus hauts moments des carrières respectives des deux artistes (difficile de croire qu’il s’agit du même homme derrière la caméra que celui qui a réalisé quelques uns des blockbusters les plus embarrassants de ces quinze dernières années dont le récent et catastrophique Prometheus). Ils se retrouveront ensuite pour Thelma et Louise en 1991. La carrière de Keitel est composée de bien d’autres pépites cinématographiques telles Mélodie pour un tueur de James Toback en 1978 (remaké par Jacques Audiard sous le titre De battre mon cœur s’est arrêté), La Leçon de Piano de Jane Campion en 1993, Reservoir Dogs et Pulp Fiction de Quentin Tarantino respectivement en 1992 et en 1994, Cop land de James Mangold en 1997 et récemment Moonrise Kingdom de Wes Anderson en 2012.

Parmi les autres hommages envers l’acteur Liam Neeson (La Liste de Schindler, Michael Collins, Le Territoire des Loups), l’actrice Salma Hayek (Desperados, Frida), la productrice Paula Wagner (la quadrilogie Mission : Impossible, Le Dernier Samouraï), le réalisateur Melvin Van Peebles (Watermelon Man, Sweet Sweetback’s Baadasssss Song), on retiendra particulièrement la grande rétrospective accordée à l’immense William Friedkin, qui présentait par la même occasion son nouveau film, Killer Joe (sur lequel je reviendrai prochainement dans une critique qui lui sera exclusivement dédiée). Le cinéaste oscarisé avait débuté à la télévision dans la réalisation d’émissions en direct avant de se tourner vers le documentaire puis le cinéma après avoir été marqué par une projection du Citizen Kane d’Orson Welles (il n’a jamais perdu l’espoir de faire un long métrage qui soit aussi abouti que ce chef d’œuvre ; d’aucun pourront dire qu’il y est en fait déjà parvenu). Friedkin est mondialement connu pour avoir réalisé French Connection en 1971 et L’Exorciste en 1973, mais il est aussi le metteur en scène d’immenses longs métrages dont Le Convoi de la Peur en 1977 (son chef d’œuvre, remake du Salaire de la Peur d’Henri George Clouzot), Cruising – la chasse en 1980, Police Fédérale Los Angeles en 1985 (au titre original plus évocateur : To Live and Die in L.A.), Jade en 1995, Traqué en 2003 ainsi que Bug en 2006. Une filmographie moderne, régulièrement percutante et immersive, et surtout variée auquel on peut ajouter l’excellent Killer Joe qui n’aura pas à rougir au milieu de ces œuvres brillantes.

Néanmoins, le but de cet article est avant tout de faire un compte rendu de la compétition officielle. Je reviendrais sur les films vus en avant-première au moment de leurs sorties françaises. Quinze films donc sont passés devant le jury présidé par Sandrine Bonnaire (aux côtés notamment de Florent Emilio Siri, Joann Sfar, Sami Bouajila, Christophe Honoré, Alice Taglioni ou encore Clotilde Courau). Mais je n’en chroniquerai que quatorze car je n’ai pas vu For Ellen de So Yong Kim. Je les ai classé dans un ordre de préférence (du plus mauvais au meilleur selon moi). Précisons avant de commencer que le grand prix est allé aux Bêtes du Sud Sauvage de Benh Zeitlin et que le prix du Jury a été décerné à Una Noche de Lucy Mulloy.

Consternation d’abord au sujet du Francine de Brian M. Cassidy et de Melanie Shatzky. Racontant l’histoire archi-revue d’une femme sortant de prison et peinant à se réinsérer, le long métrage se la joue naturaliste et réaliste. Par conséquent, on se farcit des plans séquences en caméra portée ne se terminant jamais et suivant bêtement les personnages de dos en train de marcher, des scènes qui durent à chaque fois trente secondes de trop, des saynètes quotidiennes à l’intérêt extrêmement limité… Francine est doté d’un scénario écologique ne devant pas excéder dix pages et ces dernières ont été indéfiniment étirées sur une heure et quart de film d’une vacuité sans borne. Un long métrage qui peine tellement à émouvoir le spectateur qu’il utilise des moyens tire-larmes extrêmement grossiers pour le faire chialer (l’euthanasie d’un chien en temps réel entre autres). Outre Melissa Léo qui tire la tronche, l’actrice étant l’unique raison de la sélection de ce film au Festival de Deauville, Francine est d’une infinie laideur que ce soit en termes de cadres, de luminosité ou de définition d’image (le directeur de la photographie ne s’est même pas embêté à faire le point sur certains plans). Au final, du vent sans aucun intérêt qui a été copieusement hué lors de sa première au Festival. Du pur amateurisme [sortie indéterminée]. 0,5/10

Una Noche n’est pas le plus américain des films en compétition. Mis en scène par une réalisatrice anglaise, Lucy Mulloy, et tourné en langue espagnol par un casting presqu’intégralement cubain, Una Noche relate la tentative d’évasion du beau Raul, du jeune Elio secrètement amoureux de son ami et de Lila, la sœur de ce dernier. Ceux-ci vivent dans le ghetto étouffant de La Havane et essayent de rejoindre les côtes américaines dans l’espoir d’une vie meilleure. Le film ne démarre jamais et s’arrête au moment où il aurait pu commencer. Etirant les fastidieux préparatifs sur 1h30, pour une expédition qui au final décevra beaucoup de spectateurs sans vraiment les surprendre, Una Noche fait preuve d’une mise en scène immersive et documentée des plus louables. Dommage que cela ne soit que pour montrer un nombre incalculable de saynètes toujours plus misérabilistes les unes que les autres (travelo, vieille prostituée faisant une fellation, masturbation à l’aide d’un poisson…). Derrière cette façade faussement provocatrice mais réellement racoleuse, il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent. Le genre de production amené à rassurer un public aisé qui se dit qu’il a bien de la chance de ne pas être dans la situation des personnages (en plus de pouvoir les regarder avec une pointe de condescendance). On peut y sauver une courte scène de quelques minutes impliquant un requin et qui parvient enfin à instaurer une vraie tension. On peut aussi garder d’Una Noche quelques beaux plans. Mais là où l’on aurait pu avoir un « huis clos » avec un trio amoureux coincé sur un navire de fortune, bien que cette partie ne soit pas non plus aussi réussie qu’elle aurait dû l’être, on se retrouve avec du pseudo-cinéma vérité interminable. Et l’absence totale d’empathie pour les trois personnages principaux, notamment à envers l’insupportable Lila, n’aide pas à faire avaler la pilule. Un parfait produit pour Cannes [sortie indéterminée]. 2,5/10

Déception aussi avec le Wrong de Quentin Dupieux. Partant d’un postulat assez amusant (montrer un monde où tout est « wrong », c’est-à-dire « anormal »), le long métrage de Dupieux est le cas typique du film qui aurait gagné à n’être qu’un moyen métrage. Car au bout d’une demi-heure, il faut se rendre à l’évidence : le concept finit par s’épuiser. Les gags deviennent répétitifs et l’anormalité devient normale tant elle finie par être attendue et prévisible. Dupieux fait l’erreur de ne pas caser un important évènement dont la normalité aurait paradoxalement détonné avec cet univers. Le normal deviendrait alors anormal. Pas de décalage ici. Ou beaucoup trop justement. Clairement, le long métrage est assez agréable à l’œil mais il est d’une terrible froideur en n’hésitant pas à refuser que le spectateur parvienne à s’y immerger. Un grand nombre de scènes apparaissent gratuitement, sans aucun but narratif comme la drôle mais affreusement longue et inutile séquence de l’étude de la crotte. Wrong apparait malheureusement comme un produit destiné à être « hype » mais qui est surtout d’une vacuité infinie. Amusant vingt minutes, gonflant au bout d’une heure. Si l’on était un peu méchant, on pourrait dire que l’ouverture et la fermeture du film (un homme qui chie longuement et une voiture roulant vers nulle part) sont de parfaites notes d’intention [05.09.2012]. 3/10

Compliance de Craig Zobel est un peu plus intéressant quoique très clairement imparfait. Le film se base sur une série d’évènements réels s’étant déroulés aux Etats-Unis et qui a vu un pervers manipulateur se faire passer au téléphone pour un policier afin d’amener ceux qui ont malheureusement décroché à commettre des actes violents ou dégradants envers autrui. Pour ceux qui connaissent la célèbre et terrifiante expérience de Milgram, le sujet et sa conclusion macabre ne surprendra pas grand monde. Mais le film se cache derrière une visée soi-disant éducative afin d’éviter que de tels actes atroces puissent continuer d’être commis en toute impunité et sans connaissance de cause. Le problème vient avant tout de l’exécution du long métrage. D’un côté il se veut sans concession, brutal, capable de dévoiler sans fard la réalité et l’horreur ; de l’autre il se révèle surtout incroyablement prude (il n’y a par exemple que très peu de nudité visible). Comme si Zobel était gêné de dévoiler frontalement les actes humiliants et leurs conséquences, se couvrant derrière une pudibonderie américaine mal placée et ouvertement moralisatrice. Si Compliance est clairement anxiogène et parfois difficile à regarder, il ne parvient pas à faire comprendre les rouages qui ont amené des gens ordinaires à agir comme des tortionnaires. Peut-être est-ce dû à la volonté de faire un film quasiment en temps réel ? Il est vrai que voir un homme se mettre à violer une femme parce qu’un inconnu avec qui il est au téléphone depuis à peine vingt minutes le lui a ordonné aurait plutôt tendance à mettre en exergue la bêtise de la victime-coupable plutôt que les rouages machiavéliques de l’abus d’autorité. Et le fait que l’on devine le pot au rose cinq minutes après le début du terrible coup de fil n’arrange pas la perception, peut-être biaisée car pas réellement impliquée, du spectateur [26.10.2012]. 4/10

The We and the I de Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, La Science des Rêves, Soyez Sympa, Rembobinez) part aussi d’une bonne intention. L’un des plus fameux réalisateurs français aux Etats-Unis s’était lancé dans ce projet entre deux films plus « lourds » (The Green Hornet et le futur L’Ecume des jours). Le principe est simple : à la toute fin des cours, au début tant attendu des vacances d’été, plusieurs élèves d’une même classe rentrent chez eux en prenant un même bus. Un huis clos d’apparence original mais qui va évidemment dégénérer car, comme disait Sartre, « l’enfer c’est les autres ». Et dans un lieu aussi étroit qu’un bus, la loi du plus fort et les règlements de compte ne vont pas tarder à fuser à la vue de tous. Comme une grande majorité de huis clos, le concept a du mal à tenir jusqu’au bout. En effet, rien, à part la nécessité de faire durer le long métrage près d’une heure et demie, n’empêche les occupants de ce bus d’en sortir afin de prendre le suivant pour éviter les nombreuses confrontations voire humiliations qu’ils y subiront. Malgré quelques bonnes idées (dont des flashs back réalisés à l’aide de téléphones portables), le film ne parvient jamais vraiment à convaincre. La faute vient notamment du jeu parfois outrancier des acteurs débutants qui interprètent leurs propres rôles. Le problème vient aussi de ces dialogues faussement immédiats et naturels car beaucoup trop écrits. La mise en scène n’est d’ailleurs pas suffisamment éblouissante pour élever ce long métrage clairement anecdotique qui figure sans aucun problème comme l’œuvre la moins intéressante que Gondry ait réalisé depuis un moment. Une bonne petite déception [12.09.2012]. 4,5/10

Des films clairement imparfaits, il y en a eu en compétition. Après tout, quoi de plus normal lorsqu’il s’agit pour la plupart de premiers voire de seconds films ? Si dans leurs cas on est loin d’atteindre Il était une fois dans l’Ouest, ils sont néanmoins largement supérieurs à un long métrage vide tel Francine. C’est le cas de Gimme the Loot notamment. Le film d’Adam Leon n’est clairement pas dénué de qualités. La première, et non la moindre, est de dévoiler un univers pas forcément très familier du public, bien que leurs œuvres soient régulièrement visibles aux yeux de tous : celui des « graffeurs ». Là encore il s’agit d’un long métrage relatant un passage à l’acte. Les deux héros, une jeune fille nommée Sofia (Tashiana Washington) et un jeune homme s’appelant Malcom (Ty Hickson), décident de recouvrir de graffiti la pomme géante du Shea Stadium afin de montrer au quartier qui sont les meilleurs graffeurs. La mise en scène se fait cette fois plus réaliste avec l’aide d’une caméra portée et de dialogues en partie improvisés. A ce titre, les deux acteurs amateurs principaux s’en sortent clairement avec les honneurs. Mais là encore le film s’étire trop en longueur sur les préparatifs sans cesse repoussés ou entravés. Une sous-intrigue intéressante, quoique traitée avec un peu de lourdeur, voit la confrontation entre le jeune héros noir et une charmante fille à papa friquée qui ne se révèlera pas si adorable que ça. Du film, on retiendra une intéressante scène de tentative d’effraction, à la fois tendue et comique. Pour le reste, le véritable nœud du film, à savoir la relation entre les deux compères qui est un peu plus que strictement professionnelle et amicale, est un peu trop laissé de côté pour revenir comme un cheveu sur la soupe vers la fin. Et comme pour Una Noche et Booster, que nous verrons ensuite, la conclusion de Gimme the Loot risque bien de décevoir les spectateurs qui auront la désagréable impression d’avoir eu beaucoup de bruits et d’images pour pas grand-chose [02.01.2013]. 4,5/10

Inabouti pourrait aussi être le parfait qualificatif de Booster. Lui-aussi part d’un pitch relativement simple : un homme se retrouve obligé de faire une série de cambriolages afin d’innocenter son frère coupable qui croupit en prison. Comme Una Noche et Gimme the Loot, le film de Matt Ruskin est une œuvre relatant la préparation d’un acte qui n’interviendra qu’à la toute fin du long métrage. On peut donc aussi considérer qu’au même titre que l’œuvre de Lucy Mulloy, Booster s’arrête un peu là où il aurait dû commencer. Mais ce dernier s’élève un peu plus grâce à une forme plutôt agréable à suivre. On reconnaitra clairement l’influence de Michael Mann et de ses nombreux ersatz dans cette manière de filmer un environnement urbain ou de décrire comment le déterminisme social (le héros fréquentant un milieu d’escrocs et de mafieux de bas étage) entre brutalement en conflit avec la personnalité de l’individu qui y réside (le personnage principal n’ayant pas la carrure ni l’âme d’un criminel). Comment cette équation peut-elle se résoudre ? Par la victoire et la défaite simultanée des deux frères : soit le héros réussit et fait sortir son frère de prison mais en ayant perdu son âme par la même occasion ; soit le héros échoue à accomplir ses braquages et ne fait pas libérer son frère mais parvient à conserver son intégrité physique et surtout morale. C’est aussi un film sur le poids de l’héritage légué par la vieille génération à la nouvelle, chaque jeune personnage étant chargé de s’occuper d’un être âgé (mère, grand-mère, grand-père,…). Booster relève néanmoins du déjà-vu, au point qu’il reprend des morceaux de BO d’anciens films pour illustrer ses scènes, et Matt Ruskin devra faire attention par la suite à trouver une identité visuelle qui lui soit plus propre [sortie indéterminée]. 5/10

Partant d’un pitch d’anticipation minimaliste, Robot & Frank, le film de S.F. à petit budget de Jake Schreier, se révèle être un agréable divertissement. Si le film n’invente rien de formellement nouveau et qu’il suit docilement toutes les étapes classiques d’un récit « indé » (avec les scories que cela peut sous-entendre), il parvient à construire un « buddy movie » assez original et bien écrit. D’un côté il y a Frank, un vieux cambrioleur de prestige à la retraite dont la mémoire commence à partir en lambeaux et qui est interprété brillamment par un Franck Langella portant clairement le long métrage sur ses épaules. De l’autre, il y a le robot aide-soignant que le fils de Frank lui a adjoint de force. D’abord réticent face à cette obscure machine apparemment dénuée de personnalité et de volonté propre, symbole d’un avenir qu’il ne comprend pas et qu’il n’aura pas le temps de voir se développer, Frank va apprendre à accepter cette machine et à la considérer comme son unique « ami » afin de retrouver une nouvelle jeunesse. Une histoire d’amitié et de pardon dans l’ensemble très touchante, drôle et jamais lourde qui ne se départit pas d’un certain message avec un hymne poignant et pertinent sur la tolérance. C’est aussi une belle œuvre sur notre propre rapport à la vie et à la mort [19.09.2012]. 6/10

Tout comme Robot & Frank, le film de Rebecca Thomas, Electrick Children, dispose d’un point de départ assez original. Une jeune fille, Rachel, incarnée par l’absolument excellente Julia Garner, est élevée dans une communauté mormone retirée du monde. Tout va pour le mieux lorsqu’au cours d’un moment de bravade elle découvre subitement la musique rock. Une découverte qui a une conséquence assez inattendue puisqu’elle tombe miraculeusement enceinte alors qu’elle est vierge. La communauté refusant de croire à ce soudain miracle qu’elle ne cessait pourtant pas de prêcher, Rachel quitte le village pour partir dans le vaste et inconnu monde moderne pour trouver à qui appartient cette magnifique voix qui l’a soudainement engrossée. Elle est accompagnée dans son périple par Will (Liam Aiken), un jeune garçon qui, à cause d’un malentendu, est perçu par la communauté mormone comme étant en fait l’amant secret de la jeune fille. On ne peut s’empêcher de penser au Village de M. Night Shyamalan qui racontait aussi comment une jeune femme se libérait de l’emprise et de l’angoisse des adultes pour oser traverser la forêt entourant son vieux village renfermé et découvrir ce que masquait tous ces arbres. Cependant Electrick Children n’est pas un thriller mais plutôt un road-movie quelque peu autobiographique (la réalisatrice ayant été mormone et ayant quitté cette communauté aux règles stricts après avoir découvert le cinéma). Le problème avec ces artistes mormons (Jason Reitman et Stephenie Meyer en tête), c’est qu’il est toujours un peu difficile pour le spectateur averti d’appréhender sereinement leurs œuvres et de ne pas essayer d’y voir tout un tas de messages passéistes, moralisateurs et familiaux dans ces scènes parfois très premier degré. Si la première heure laisse place à un aspect décalé assez sympathique, les trente dernières minutes laissent place au doute quant aux motivations de la réalisatrice. Au final, retour vers la nature, vers la famille, vers le mariage, vers l’autarcie, vers le refus de la modernité… Une dernière note un peu désagréable qui conclut un film qui se perd un peu en rebondissements vers la fin, mais qui demeure un moment assez agréable. Et l’esthétique un peu surréaliste du film est loin d’être déplaisante, ce qui peut amener à penser qu’on entendra bientôt reparler de Rebecca Thomas [09.01.2013]. 6,5/10

Le nouveau film de Lynn Shelton (Humpday), intitulé Your Sister’s Sister, a été diffusé assez tôt dans la compétition. On peut par conséquent dire qu’il s’agissait du tout premier coup de cœur de Deauville. Une œuvre applaudie et reçue avec une ferveur plutôt méritée. Là encore, il s’agit en grande partie d’un huis-clos. Jack (Mark Duplass) est un jeune homme normal mais un peu paumé depuis la mort de son frère un an auparavant. Pour se ressourcer et essayer de repartir dans la vie sur des bases plus saines, son amie de toujours, Iris (incarné par une très émouvante Emily Blunt), lui propose de passer quelques temps dans la maison familiale se trouvant sur une île et soi-disant vide pour les mois à venir. Avec réticence, le jeune héros accepte finalement la proposition avant de découvrir que la maison n’est évidemment pas vacante puisqu’elle est occupée par la sœur déprimée d’Iris, Hannah (Rosemarie DeWitt). Your Sister’s Sister relate l’implosion d’un trio « amoureux » avec une certaine légèreté qui permet d’élever le long métrage plutôt que de le plomber. Jamais morbide, étonnamment joyeux, plutôt dynamique et bien écrit, le film de Shelton est une comédie dramatique « indé » vraiment aboutie. Si on peut légitimement regretter qu’il s’agit plus d’un film d’acteurs et de scénaristes, la mise en scène n’étant pas forcément ce qu’il y a de plus marquant dans Your Sister’s Sister, le long métrage de Shelton dilue un humour bienvenu tout en se permettant de traiter de quelques thèmes assez audacieux (dont l’adoption par un homosexuel). Le long métrage se conclue par une belle idée, qui n’est pas sans rappeler She Hate Me de Spike Lee, bien qu’on puisse regretter le procédé final roublard et facile consistant à couper le long métrage avant que la question principale qui sous-tend le film ne puisse obtenir sa fatidique réponse (un peu comme dans Shame de Steve McQueen et, dans une moindre mesure, Inception de Christopher Nolan). Une dernière note désagréable qui ne parvient heureusement pas à entacher cet ensemble vraiment divertissant et émouvant [10.04.2013]. 7/10

God Bless Americade Bobcat Goldthwait a tout du film rêvé pour quiconque s’est déjà senti atterré en tombant sur des émissions de TV réalité aberrantes, révolté en voyant des jeunes faire céder leurs parents à l’aide de caprices délirants, agacé par ceux qui prennent leurs aises dans les cinémas ou qui ne considèrent pas comme nécessaire de prendre en considération leurs voisins,… Bref, pour tous ceux qui détestent tous ces petits nuisibles qui viennent empester votre quotidien le plus ordinaire. Syndromes d’une civilisation de plus en plus évoluée qui devient paradoxalement de moins en moins sociable, concernée, intelligente ? C’est en tout cas ce que pense Frank (Joel Murray), cadre moyen de bientôt quarante ans qui voit un jour sa vie se dérober sous ses pieds. Furieux car croyant que c’est parce qu’il refuse de se rabaisser comme les autres et de faire semblant d’être excité par le moindre buzz médiatique inintéressant et puéril, il décide avant de se suicider de se venger sur tous ces êtres bêtes et égoïstes qui lui ont pourri la vie et qui empêcheraient, toujours selon lui, de rendre meilleurs l’humanité et le monde dans lequel on vit. Il est rejoint par une lycéenne tout aussi désaxée que lui et, ensemble, ils vont tenter d’accomplir cette croisade contre la connerie américaine grandissante. On ne pourra nier que le résultat à l’écran est des plus jubilatoires et le film ne manque jamais de l’humour nécessaire pour faire passer à l’écran des séquences d’une forte brutalité et amoralité (notamment une fusillade dans un cinéma qui pourrait mal passer après le sinistre évènement d’Aurora en juillet dernier lors d’une avant-première du The Dark Knight Rises de Christopher Nolan).  Ce buddy movie, énième redite de Bonnie et Clyde, fonctionne à merveille, est réalisé avec une certaine inspiration et est surtout écrit et interprété avec une mauvaise foi et une outrance des plus jouissives. L’ennui, en grattant un peu, c’est que le long métrage de Goldthwait n’est pas aussi subversif qu’il entendait l’être : tout caractère sexuel, notamment entre le duo principal, est clairement éludé ; peu d’hémoglobine à l’exception d’une ouverture gore hilarante qui ne sera jamais vraiment dépassée par la suite ; un massacre final hors champ... A certains moments, on peut aussi dire que le film défonce des portes ouvertes. C’est un peu le cas. La critique insolente des médias, du rêve américain et de la bêtise humaine a déjà donné lieu à de nombreuses productions U.S. particulièrement percutantes (Tueurs Nés d’Oliver Stone entre autres, d’ailleurs sur un pitch pareil il aurait été intéressant de voir jusqu’où le plus provocateur des réalisateurs mainstream américains serait allé). Et la concurrence sur le sujet et l’égratignement des symboles et idéaux faisandés de la toujours première puissance mondiale est allé crescendo depuis le développement de séries provocatrices dans le plus répandu et accessible des médias (la télévision). Et dans ce cas on pensera inévitablement aux séries animées telles American Dad et bien évidemment le définitif South Park auquel le long métrage de Goldthwait n’arrive clairement pas à la cheville [10.10.2012]. 7/10

Les deux films suivants, outre leurs grandes qualités, ont un point commun : le thème de l’alcoolisme. D’abord avec Smashed de James Ponsoldt qui suit une jeune institutrice, interprétée par Mary Elizabeth Winstead (Le Boulevard de la Mort, Scott Pilgrim), ayant un sérieux problème d’alcool au point que celle-ci décide de reprendre les choses en main. En effet, son secret a été à deux doigts d’être découvert après avoir fait cours à de petits enfants alors qu’elle souffrait d’une sérieuse gueule de bois. Il faut dire qu’elle n’est pas aidée par son mari, lui aussi soiffard de compétition. D’ailleurs leur amour n’était-il finalement pas intrinsèquement lié à l’alcool ? Car une fois que l’un des deux membres du couple se retrouve sobre et peut admirer à loisir son partenaire sombrant dans l’ivresse, la communication, ou du moins la communion des deux ne parait plus possible. Ne partageant plus cette même folie et cette même addiction, le rapport autrefois égal entre la jeune femme et son mari est réduit à néant. Smashed peut donc se voir à travers plusieurs niveaux de lecture. C’est d’abord l’histoire du combat d’une femme contre l’alcool. Un parcours laborieux et épuisant visant à sa désintoxication et à sa réinsertion en société. C’est aussi une histoire d’amour dans le sens où le film retrace la tentative de survie d’un couple face à une tempête imprévue : la soudaine décision de ne plus boire, amenant nécessairement le mari à soutenir, ou non, sa femme dans cette lutte de tous les instants. C’est enfin un film sur l’âge adulte. La jeune prof agissait en effet comme une adolescente sans prendre réellement la mesure de ses actes. La sobriété doit lui permettre d’aborder sa vie et le monde de façon plus sérieuse et responsable. Là encore malgré un sujet assez lourd, Ponsoldt n’hésite pas à le contrebalancer avec un peu d’humour et de légèreté. Bien écrit, quoiqu’assez classique dans son déroulement, Smashed est surtout l’occasion pour la très prometteuse Mary Elizabeth Winstead de trouver son premier grand rôle. Au vu de sa performance assez magistrale, gageons qu’il est fort probable qu’on la retrouve cette année aux oscars pour sa première nomination très méritée dans la catégorie de la meilleure actrice principale [sortie indéterminée]. 7/10

California Solode Marshall Lewy parle aussi d’alcoolisme. Mais, et c’est une première nuance de taille, le film aborde le point de vue d’un homme d’une quarantaine d’années. Autre détail qui aura son importance : il est écossais et a immigré aux Etats-Unis quinze ans auparavant. Dans le long métrage de Lewy, l’alcool n’est pas le problème principal mais le point de départ des embêtements pour le héros. En bon écossais au foi de fer, Lachlan MacAldonich, ancien musicien de rock qui s’est depuis reconverti dans l’agriculture au sein d’une ferme américaine, est un adepte de la bonne biture. Il est très brillamment incarné par Robert Carlyle, charismatique à un point inimaginable dans ce film et présent dans quasiment tous les plans. Tout est pour le mieux lorsque l’inévitable se produit et qu’il est pris en flagrant délit de conduite en état d’ivresse. L’histoire pourrait s’arrêter là, après le paiement de l’amende et le procès, mais une ancienne affaire va repointer le bout de son nez. Dans ses jeunes années, Lachlan avait été pris en possession d’un peu d’herbe dans un aéroport américain. Cela avait été sans suite mais le cumul de ces deux délits amènent soudain les autorités à envisager son expulsion pour non respect des lois étasuniennes. California Solo, titre en référence à l’une des chansons que jouait le personnage de Carlyle, ajoute la problématique de l’immigration et de l’exclusion dans son histoire apparemment bateau d’alcoolique recherchant la rédemption. Ce suspense est savamment entretenu et permet de rendre l’aventure de Lachlan encore plus belle et touchante. Film sur la peur de l’abandon, la perte, le remord, le pardon et la seconde chance, California Solo fait preuve aussi d’un optimisme et d’une joie de vivre qui rendent le long métrage très agréable à suivre. Jamais moralisateur, misérabiliste ou voyeur, le film de Lewy est un drame attachant sur un homme qui cachait son égoïsme et sa culpabilité derrière une façade trop amicale pour être honnête. Un homme à un tournant de sa vie, qui doit choisir entre assumer frontalement ses actes et ses erreurs (et tenter par la même occasion de les réparer) ou bien poursuivre dans la couardise. California Solo est une œuvre complexe et riche sur le combat désespéré d’un has been cherchant à retrouver la grâce aux yeux des autres. Une nouvelle chance qui pourrait se payer au prix fort (le départ de l’Amérique et la fin de la « vie de rêve » qu’il s’est construit pour oublier ses erreurs) mais qui pourrait au final aboutir sur de beaux changements (la rédemption morale, la réconciliation avec sa propre fille qu’il avait abandonné,…) [sortie indéterminée]. 7/10

Et on en arrive au grand choc de cette compétition officielle du Festival de Deauville. Présenté quasiment à la toute fin du Festival, le film de Benh Zeitlin a pris au dépourvu tout le monde au dépourvu. D’abord parce qu’il est quasiment le seul film de la compétition à posséder quelques éléments lyriques et fantastiques ; tous les autres étant régulièrement assez terre-à-terre en termes de pitch et/ou de traitement formel (à l’exception de Wrong). Là où l’on avait surtout eu droit à du drame ou à de la comédie, même dans le cadre de Robot & Frank et de God Bless America, Les Bêtes du Sud Sauvage propose une vision un peu plus « féérique » du monde. Le long métrage de Zeitlin est une sorte de conte initiatique lyrique. Le film suit Hushpuppy, petite fille de six ans vivant dans le bayou avec son père. Dans cette zone de non-droit où l’homme est à la merci du moindre caprice de Mère Nature, vivent (réellement) plusieurs communautés d’hommes qui se sont sciemment installés dans ces marécages pouvant les engloutir à la moindre tempête tropicale. La vie de cette petite fille, que son père malade a tendance à éduquer comme un homme, suit son cours paisiblement. Mais lorsque la fameuse tempête se déchaine enfin (un écho évident à l’ouragan Katrina), Hushpuppy et quelques rescapés tentent de survivre à l’inondation causée par les immenses digues en béton que la civilisation moderne a dressée pour se protéger. Mais la nature réserve d’autres surprises et les gaz à effet de serre diffusés dans l’atmosphère par cette société industrielle ayant perdue tout contact avec l’écosystème permet soudain de libérer des glaces les terribles aurochs, taureaux géants carnivores, qui dévoraient les humains pendant les Temps Anciens. Malgré la richesse des thèmes et intrigues qu’il aborde, Les Bêtes… demeure clairement un film grand public. Un long métrage à hauteur d’enfant qui suit une « jeune princesse » tentant d’accomplir sa quête héroïque pour sauver son père souffrant d’un problème cardiaque. Entre mysticisme et naturalisme, le film de Zeitlin n’est pas sans rappeler dans une moindre mesure évidemment les œuvres de Terrence Malick mais aussi la littérature de Marc Twain. On pense aussi à plusieurs reprises aux films de Spielberg (E.T., L’Empire du Soleil, A.I.) et de Miyazaki (Mon Voisin Totoro, Ponyo sur la falaise particulièrement) dans cette manière de représenter un imaginaire enfantin onirique et la quête visant à retrouver et à sauver ceux qu’ils aiment. Rarement un enfant avait été aussi bien écrit et dirigé au cinéma depuis les deux cinéastes précités. Malgré un tournage difficile s’étant déroulé sur les vrais lieux de l’action, Zeitlin parvient à réaliser un premier film non seulement marquant mais aussi très abouti. Et si l’on pourra regretter de menus défauts (un abus de la caméra à l’épaule au cours d’une poignée de séquences, quelques effets spéciaux hasardeux dus à un budget réduit), Les Bêtes… s’impose immédiatement comme les débuts tonitruants d’un réalisateur dont il est fort probable que le nom va compter dans les années à venir. Un grand prix très mérité qui fut magnifiquement reçu par un public Deauvillais qui donna à Zeitlin une longue et légitime « standing ovation » [12.12.2012]. 7,5/10

Il y a eu une flopée de bandes annonces ces deux dernières semaines, principalement des premiers visuels de longs-métrages pour la plupart très attendus. Commençons d’abord par celle de Jason Bourne : l’héritage. Matt Damon ne rempilant pas dans le rôle de Jason Bourne, on demanda à Tony Gilroy, le scénariste des trois épisodes précédents, d’écrire et de réaliser un quatrième opus qui introduirait un nouvel agent « Trendstone », lié à Jason Bourne mais pas directement. Par une pirouette scénaristique, Gilroy semble avoir réussi à composer une aventure parallèle dans l’univers de Jason Bourne. En espérant que ce soit plus abouti que l’aventure parallèle dans l’univers d’Alien de Ridley Scott avec son inepte Prometheus. Les premières images dévoilent un film d’action sans « shaky cam » ni montage effréné, ce que Gilroy condamnait fermement dans les opus mis en scène par Greengrass. S’il est difficile de s’exciter plus que ça devant ces images qui sentent le réchauffé, on peut se rassurer sur le côté bourrin de la chose et l’interprétation visiblement inspirée d’un Jeremy Renner donnant de sa personne. Toujours dans les premiers aperçus en demi-teinte, il y a bien sûr la version « comédie musicale » des Misérables de Victor Hugo, réalisée par l’oscarisé Tom Hooper à qui l’on devait le sympathique mais peu marquant Le Discours d’un roi. Les premières images dévoilent une fresque d’un apparent classicisme visant les récompenses à gogo. Un film à première vue plutôt sage bien que peut-être relevé par une forte interprétation d’un Hugh Jackman que l’on n’attendait pas forcément là mais que l’on sait bon chanteur et excellent show-man. L’aguiche en elle-même n’est pas excessivement stimulante mais nul doute qu’on retrouvera ce film pendant la course aux oscars.

Un peu plus intéressant maintenant avec le prochain Disney qui sortira à la fin de l’année. Il s’agit des Mondes de Ralph, réalisé par Rich Moore qui travailla dans l’écurie Matt Groening sur les « Simpson » ou « Futurama ». Le concept est assez sympa : un méchant d’une vieille borne vidéoludique fait une dépression à force de devoir être le méchant d’un vieux jeu vidéo et décide soudain de sauter de jeux en jeux pour trouver et accomplir une quête héroïque. L’ensemble a l’air bien drôle, rythmé, assez joli. Alors que la campagne marketing ne laisse rien transparaitre de follement excitant chez le nouveau Pixar, Rebelle, Disney frappe un grand coup efficace pour un long-métrage animé qui pourrait voler une deuxième fois au studio de Lasseter en dix ans le titre de film d’animation américain de l’année. Affaire à suivre donc. Autre premier aperçu sympa avec le prochain film de Robert Zemeckis, Flight. S’il a été contrait d’abandonner ses expérimentations en performance capture pour le plus grand bonheur de cinéphiles rétrogrades, espérons que Zemeckis ne se soit pas lancé à demi-intéressé sur le projet, par simple dépit. Le sujet reste fort, Denzel Washington semble y revenir en grâce (un nouveau retour gagnant quelques mois après ceux de Liam Neeson et de Tom Cruise ?) et la mise en scène plutôt efficace. La bande annonce n’est pas forcément bien montée ni même très percutante mais elle laisse présager un excellent drame humaniste dont Zemeckis a le secret (Forrest Gump, Seul au monde). On tient là un autre possible concurrent aux oscars s’il parvient à être à la hauteur des attentes.

Et on s’attèle enfin aux deux grands morceaux. D’abord un petit mot pour The Dark Knight Rises puisque Nolan a dévoilé au cours de la cérémonie des « MTV movie awards » un quatrième trailer pas avare en nouvelles images. Catwoman (dont le nom ne sera pas prononcé pendant ce film de 2h45) est mise en avant et ces images commencent un peu à rassurer sur le choix du personnage et de son interprète Anne Hathaway (qui sera aussi dans Les Misérables). De même, quelques cours plans laissent présager un Tom Hardy bien habité au regard terrifiant. Ambiance de guerre civile destructrice pour un troisième épisode qui devrait être un peu moins « réaliste » que le précédent opus. Préparons nous à un final assez épique. L’autre gros morceau est Django Unchained de Tarantino qui a dévoilé ses premières images. S’il faut toujours se méfier des BA des films de Tarantino, accentuant toujours le caractère cool et violent du film au détriment de sa véritable ambiance (Inglourious Basterds a été là pour nous le rappeler), ce « southern » s’annonce assez jubilatoire. On est visiblement en terrain connu bien que le scénario de Tarantino devrait réserver son lot de surprises. Les images de Robert Richardson sont assez magnifiques et DiCaprio a l’air de s’en donner à cœur joie dans son premier rôle de « vrai salaud ». Sortie chez nous début janvier et fin décembre aux USA, pile pour les oscars où il devrait être un des très gros compétiteurs vu son lourd sujet (l’esclavage). Il devra d’ailleurs faire face au Lincoln de Spielberg, biopic sur cette grande figure américaine qui a interdit l’esclavage pendant son mandat de président. Son nom est Django ! Ne l’oubliez pas. Mais sachez que « le D est muet »…

Après le succès colossal d’Avengers produit par Marvel, il n’a pas fallu attendre très longtemps. La société de « comics » rivale DC entend bien réactiver son projet équivalent intitulé La Ligue des Justiciers. Il s’agit d’un pendant des Avengers qui voit la réunion de quelques uns des super-héros les plus iconiques des éditions DC parmi lesquels on compte Batman, Superman, Wonder Woman, le Flash ou encore Green Lantern. Une réunion démesurée de super-héros qui nécessitera un budget bien conséquent et un script en béton. En effet, à l’inverse d’Avengers, tous les supers-héros de la Ligue n’ont pas été introduit dans des longs-métrages précédents. Il n’y a bien que Superman et Batman qui ont eu auparavant les honneurs du grand écran. Cela impliquerait donc de les présenter pour la première fois dans un film de deux heures trente, tout en leur donnant suffisamment d’actions et d’aventures pour que le long-métrage ne paraisse pas comme la laborieuse introduction d’un second épisode. Un projet difficile qui nécessitera un très sérieux et efficace travail d’écriture, d’autant plus qu’une menace à combattre devra elle aussi être introduite et trouver sa place dans ce court délai de temps. L’homme choisi pour cela est le jeune scénariste « hype » du prochain Gangster Squad, Will Beal.

Le projet est donc bien réanimé et on parle de préparer en parallèle des longs-métrages sur Wonder Woman (très longtemps repoussé, Refn s’était dit très intéressé par le projet) et sur Green Lantern dont la première adaptation cinématographique avait particulièrement déçu. George Miller (Mad Max, Happy Feet) n’est visiblement pas impliqué. Il avait été à deux doigt d’en réaliser une adaptation il y a quelques années, dont le script était parait-il excellent, mais le budget avait effrayé les producteurs. Il s’agit alors d’un tout nouveau projet et on ignore qui sera à la barre et s’il adoptera l’atmosphère « réaliste » et « sombre » des Batman de Nolan et du futur Man of Steel de Zack Snyder. A noter que ces derniers, ayant les traits de Christian Bale et d’Henry Cavill, ne rempileront pas et que ce devrait être ainsi de nouveaux Batman et Superman qui apparaitront dans La Ligue des Justiciers. Le film n’est cependant pas prévu avant au moins quatre à cinq ans.

Des nouvelles de Christopher Nolan sont apparues dernièrement puisque son The Dark Knight Rises approche à grands pas et que la question de son futur et de ses projets à venir commencent à se poser vu qu’il a récemment déclaré qu’il ne reviendrait plus sur Batman et l’histoire de Bruce Wayne qu’il n’avait prévu que sous la forme d’une trilogie. What’s next ? D’abord il semblerait de plus en plus intéressé à l’idée de mettre en scène un James Bond et aurait même déjà contacté les détenteurs de la franchise afin de discuter de ses idées. Néanmoins cette réunion ne devra se faire qu’au moment opportun selon Nolan, façon détournée de dire qu’il préfère attendre que Daniel Craig passe la main pour mieux introduire une nouvelle vision du personnage en même temps qu’un nouvel acteur comme il l’avait fait avec Batman. L’affection de Nolan pour l’agent secret 007 est perceptible depuis plusieurs films, son personnage de Bruce Wayne en ayant hérité quelques caractéristiques (Morgan Freeman interprète un sorte de Q dans la trilogie, par exemple), mais aussi et surtout dans Inception où une séquence de ski faisait notamment référence à celle d’Au service secret de sa majesté. Au passage, signalons le fait amusant que DiCaprio, qui jouait le rôle principal d’Inception, était le choix initial de la Warner qui souhaitait qu’il interprète l’Homme Mystère dans le dernier opus de la trilogie. C’est finalement l’immense Tom Hardy qui incarnera le méchant Bane. DiCaprio qui avait aussi interprété Howard Hugues, le producteur mégalo dans Aviator de Martin Scorsese qui s’intéressait plutôt à la première moitié de sa vie. Nolan portait depuis longtemps un biopic sur le personnage en insistant plus sur les névroses qui ont pris son contrôle dans la seconde moitié de sa vie. Le scénario était selon Nolan ce qu’il avait écrit de plus abouti et il avait lancé le projet avec Jim Carrey dans le rôle-titre. Hélas, le film de Scorsese arriva avant et enterra un temps le projet. Après Inception, on avait cru que Nolan réemploierait DiCaprio pour ce projet afin de faire un faux dyptique sur Howard Hugues avec un même acteur l’interprétant avec dix années d’écart. Mais Nolan a récemment avoué qu’il ne croyait plus que le projet puisse être monté et qu’il le remettait dans ses tiroirs pour une durée indéterminée. Jusqu’à quand ?

Emma Watson s’ajoute au casting de Noah, le prochain film de Darren Aronofsky (Requiem of a Dream, Black Swan et qui avait été pendant quelques temps prévu à la place de Nolan pour rebooter la franchise Batman). Le film, comme son titre l’indique, retracera le parcours de Noé pour la création d’une Arche alors que le Déluge s’apprête à s’abattre pour détruire l’humanité. Elle y incarnera Ila dont le fils de Noé, Sem, tomba amoureux. Ce blockbuster apocalyptique à morale « écologique » sortira en mars 2014 aux Etats-Unis avec un tournage débutant cet été. Russell Crowe y incarnera Noé, et devrait être accompagné de Jennifer Connelly, Douglas Booth ainsi que de Logan Lerman (Percy Jackson). Ray Winstone pourrait allonger le casing mais la présence de Saoirse Ronan n’est plus aussi certaine que quelques  semaines auparavant. On ne sait pas si Emma Watson jouera dans Your Voice in My Head, drame sur une  jeune journaliste dépressive et un psychiatre qui devait aussi être mis en scène par David Yates cet été avant que ce dernier ne s’en aille. Elle aura cependant un des rôles principaux, au côté de Logan Lerman justement, dans Perks of Being a Wallflower et aura un petit rôle dans le film The End of the World de et avec Seth Roger (ainsi que Jay Baruchel, James Franco, Jonah Hill, Danny McBride, Jason Segel, Rihanna et Michael Cera) prévu pour 2013. Elle tourne actuellement The Bling Ring de Sofia Coppola.

La science-fiction pessimiste et violente comme on en faisait de temps à autres dans les années 80 revient à la mode. Après les remakes de Dredd et de Total Recall, c’est au tour du mythique Robocop de subir un lifting par quelques producteurs opportunistes et trop frileux pour miser sur autre chose qu’une licence connue. Longtemps attribué à Darren Aronofsky puis refilé à José Padhilla, metteur en scène brésilien des deux intenses et réussis Tropa de Elite, le reboot/remake de Robocop (soyons prudent avec ces termes utilisés par les majors afin d’embrouiller les nombreux réfractaires à leurs projets) essaye de mettre le plus d’atouts dans sa poche. Outre un metteur en scène plutôt talentueux dans l’action, la violence et la dénonciation de la corruption, correspondant plutôt bien au profil, il y a un casting assez séduisant qui est en train de se former. Le jeune acteur peu connu Joel Kinnaman incarnera le flic-robot mais sera surtout accompagné d’Abbie Cornish (Bright Star, Sucker Punch) qui en interprètera la femme, Samuel L. Jackson, Gary Oldman ainsi que Hugh « Dr House » Laurie qui prêtera ces traits au méchant du long-métrage. Reste à espérer que le film se démarquera suffisamment de la version du « Hollandais violent » ; ce dernier peinant d’ailleurs à trouver un nouveau projet cinématographique à monter. Le film ne sortira pas avant au moins l’été prochain.

Toujours au niveau des annonces de casting alléchantes, deux « légendes » de la boxe vont enfin se faire face à face. D’un côté du ring il y aura Robert « Jack LaMotta » de Niro (Raging Bull pour lequel il a été oscarisé) ; de l’autre il y aura Sylvester Stallone (la série Rocky pour laquelle il avait obtenu l’oscar du meilleur scénario). La rencontre se fera à l’occasion de Grudge Match, un long-métrage relatant le dernier combat sur le ring de deux ennemis vieillissants. Le scénario est écrit par Doug Ellin et serait plus orienté du côté de la comédie. Mais il va falloir patienter car l’agenda des deux poids lourds est très rempli. Stallone sera cet été à l’affiche de l’attendu The Expendables 2 et tourne actuellement The Tomb au côté de Schwarzenegger tandis que de Niro sera sur les écrans avec le thriller fantastique Red Lights avec Sigourney Weaver et Cillian Murphy et s’apprête à tourner dans le prochain film de Luc Besson avec Michelle Pfeiffer. Les deux acteurs avaient déjà joué ensemble dans le film de 1997, Copland. 

Tarsem Singh avait impressionné avec ses premières réalisations, dont The Fall, mais ses derniers longs-métrages ont laissé un gout d’inachevé et d’assez anodin (Les Immortels, Blanche Neige). Mais cela fait quelques années qu’il poursuit le projet d’un long-métrage sur Marco Polo, fameux marchand vénitien du XIIIème siècle qui a parcouru toute l’Asie. Quoi de mieux qu’un film sur l’un des plus grands symboles de la relation Occident/Orient pour cette coproduction américano-chinoise ? D’autant plus que Singh est d’origine indienne et laissera sans aucun doute exprimer ses influences orientales. Le projet vient en effet de recevoir un coup de pouce car, si on ne sait pas qui incarnera Marco Polo (aux prémices du projet on parlait de Matt Damon), on sait dorénavant que Gong Li (Miami Vice) sera de la partie. A noter que le phénomène de coproductions cinématographiques entre les USA et la Chine se multiplie, montrant que le marché asiatique est dorénavant bien perçu par les majors comme non négligeable. L’exemple du prochain Iron Man 3 peut ainsi en attester.

Spike Jonze revient à la réalisation après Max et les Maximonstres sorti fin 2009, au moment où une vague bleue extraterrestre déferlait sur les grands écrans au détriment de ce dernier. On ne sait pas encore exactement de quoi il s’agira si ce n’est que ce sera une romance scénarisée par Charlie Kaufman où un homme tombe amoureux d’une voix qui n’est autre que celle de son ordinateur. Il va alors partir à la recherche de la mystérieuse demoiselle qui se cache derrière. Le casting est de toute beauté puisque le personnage principal sera incarné par Joaquin Phoenix, qui fait son grand retour cette année avec The Master de Paul Thomas Anderson et Low Life de James Gray. Il sera très bien accompagné  avec Rooney Mara, Amy Adams, Olivia Wilde et Samantha Morton. Le film ne devrait pas sortir avant fin 2013.

En parlant de retour, touchons un mot sur la sequel longtemps repoussée des Promesses de l’ombre de David Cronenberg. Le film est écrit par le scénariste du premier, Steven Knight, et devrait être enfin réalisé par celui-ci. Viggo Mortensen et Vincent Cassel sont presque confirmés dans leurs rôles respectifs ; la présence de Naomi Watts est possible bien que pas encore certaine. Reste maintenant à savoir s’il y aura une nouvelle séquence dans les bains turcs.

Les réalisateurs de Tempête de boulettes géantes et de 21 Jump Street continuent leur petit bonhomme de chemin. Ils sont maintenant à la tête de l’adaptation de « Carter Beats the Devil » écrit par Glen David Gold en 2001. Depuis près d’une décennie, Hollywood a tenté d’adapter l’ouvrage, notamment Tom Cruise qui souhaitait en interpréter le premier rôle dans un scénario du grand Robert Towne (le script de Bonnie et Clyde). L’adaptation avait même été tentée dans un format de série à la télé, mais sans succès. L’histoire se déroule dans les années 20 et suit Carter, un magicien ayant réellement existé, qui fait un tour de magie impliquant le président de l’époque, Warren G. Harding. Ce dernier est retrouvé mort peu après et tous les soupçons se portent alors sur le magicien. L’histoire fictive est pleine de noms ayant vraiment existés dont Houdini ou encore les Marx Brothers. Un livre complexe à adapter mais cela ne devrait pas être trop difficile pour le duo qui a su tirer de beaux longs-métrages à succès d’un livre décalé pour enfants puis d’une série TV kitsch. En attendant, Miller et Lord s’attaquent à un film d’animation en image de synthèse sur les Lego. Le résultat devrait être inventif et inattendu.

George Clooney poursuit sa carrière de metteur en scène après l’excellent Good Night and Good Luck ou encore l’assez intéressant Les Marches du Pouvoir. Il s’apprête à porter à l’écran l’article du « New Yorker » intitulé « The Yankee Commandante » qui relatait le parcours de l’américain William Alexander Morgan ayant participé au coup d’état cubain en 1952. Il est le seul étranger avec Che Guevara à avoir été « Commandante » de l’armée révolutionnaire. Il fut plus tard emprisonné et condamné à mort car on le soupçonnait de travailler pour la CIA.

Stephen King a toujours la côte. Quelques uns de ses plus fameux ouvrages avaient été réalisés par des metteurs en scène de talent comme Kubrick (Shining), Brian de Palma (Carrie), David Cronenberg (Dead Zone) ou encore John Carpenter (Christine). Dernièrement c’était le très surestimé Ron Howard qui tentait de monter avec Javier Bardem une adaptation  de sa monumentale œuvre intitulée « La Tour Noire » sous forme de trilogie accompagnée d’une série télévisée. Un projet depuis bien repoussé, peut-être même annulé, ce qui avait permis à Bardem de jouer le « bad guy » du prochain James Bond, SkyFall de Sam Mendes. II y avait aussi eu David Yates (les quatre derniers Harry Potter) puis Ben Affleck qui avait tenté d’adapter l’imposant roman « Le Fléau ». Récemment c’est le talentueux jeune réalisateur Cary Fukunaga (Sin Nombre et Jane Eyre, ce dernier n’étant toujours pas encore sorti en France) qui pourrait mettre en scène un dyptique adaptant les trois romans « Ca ». Fukunaga va écrire pour Warner Bros une nouvelle version d’un script élaboré par Dave Kajganich (qui bossait déjà sur l’adaptation du « Fléau » et le remake de Simetierre). Cary Fukunaga sera aidé par Chase Palmer avec qui il avait déjà collaboré sur No Blood, No Guts, No Glory, un film de cambriolage pendant la Guerre de Sécession dont le scénario original était parait-il assez excellent puisqu’il figurait sur la « black list » annuelle des meilleurs scripts sans producteur. Fukunaga doit réaliser ce dernier d’abord et a mis en scène la série HBO « True Detective » avec Matthew McConaughey et Woody Harrelson.

L’image de ces deux dernières semaines n’est autre que la première photo officielle du prochain long-métrage de Guillermo Del Toro. Celui-ci revient de loin puisque aucun de ses projets n’a abouti depuis le magnifique Le Labyrinthe de Pan en 2006. Pendant ce laps de temps de six ans, il a tenté de monter l’adaptation de Bilbo le Hobbit produite par Peter Jackson. Sans succès, il finit par céder sa place à Jackson lui-même qui reprit les rênes de son bébé, et parvint enfin à le sauver des limbes du « développement hell » avec une première partie sortant en décembre prochain. Dépité, Del Toro crut voir l’opportunité de relancer son plus cher projet : une adaptation des « Montagnes Hallucinées » de Lovecraft. Produite par James Cameron et avec Tom Cruise dans le rôle principal, ce film de S.F. horrifique et pessimiste à gros budget et en 3D fut à deux doigt d’être lancée quand Universal, inquiète après une longue succession de flops douloureux, fit marche arrière. Del Toro, de nouveau dépité et ayant récemment annoncé être sur le point de renoncer à son projet depuis la sortie du lamentable Prometheus qui repompe un certain nombre d’idées à l’histoire de Lovecraft (on espère qu’il changera d’avis vu la pauvre qualité du film de Scott), se lança alors sur ce Pacific Rim, blockbuster S.F. relatant la lutte de l’humanité contre des monstres géants à l’aide de mécha gigantesque, rendant ainsi hommage à tout un pan de la culture japonaise. Tom Cruise fut un temps prévu pour le film mais ce fut Idris Elba qui prit sa place. Ce dernier revient de loin en ayant enchainé quelques blockbusters hasardeux. Mais on ne peut lui enlever d’arriver à rester étonnamment crédible et charismatique dans les rôles les plus saugrenus (un dieu nordique dans Thor, un prêtre noir français alcoolique et aveugle dans Ghost Rider 2 ou encore un pilote amateur d’accordéon dans Prometheus). L’acteur de « The Wire » se dévoile ici dans son armure de combat. De quoi donner une toute petite idée du caractère « bad-ass » et incroyablement jouissif de ce long-métrage dont le scénario, contrairement à ce que le pitch laisse paraitre, serait loin d’être mauvais. Del Toro retrouvera-t-il la baraka auprès des producteurs avec un gros succès au box office ? Pourra-t-il relancer Les Montagnes Hallucinées ? Réponse l’été prochain :